wrong songs / wrong moves

Playlist du moment, sixième.

2012-01-23T23:45:00.001+01:00

Les allergiques au prog ne seront sans doute pas touchés par le dernier album d'Opeth, paru en septembre de l'année dernière. Euphémisme : il est en réalité plus probable qu'ils le détestent de toutes les fibres de leur corps, tant le metal énergique qui fit la gloire des Suédois paraît fondu dans une rencontre bizarre avec des éléments jazz. C'est probablement un archétype de ce que certains n'hésiteraient pas à qualifier de kitsch, voire de chiant. Ne leur en déplaise, Heritage offre de beaux moments et beaucoup de surprises.

Découverts en retard, les Français de Kill The Thrill tendent à fasciner l'auteur de ces lignes ces derniers temps. Indus massif mais aérien, ils étendent sur leur album Tellurique une musique qui prend à Godflesh (dont le Us and Them est d'ailleurs repris ici) et, pour les voix, à Killing Joke. Et à l'occasion, c'est simplement magnifique, comme le morceau Like Cement.

The Psyke Project est tellement underground que le groupe n'a pas encore de page Wikipédia en anglais. Ces Danois pratiquent pourtant un hardcore-metal digne des standards internationaux (Swarm Of The Lotus en tête). Les guitares sont accordées comme des basses et l'on a souvent la sensation de prendre une douche de galets, mais l'album Dead Storm a le mérite de jouer de quelques contrastes et de se révéler, in fine, pas vraiment ennuyeux. On appréciera le clip, où l'on peut admirer des jeunes gens nus se rouler dans la boue, chanter avec des branches mortes en guise de micro ou encore, jouer de la batterie sur des souches moussues.

Mais qui est donc ce Frank Turner, dont on peut légitimement se demander à l'occasion s'il n'est pas quelque Gérald De Palmas version britannique? L'on pourrait sans mal chanter ses chansons autour de feux de bois et bon nombre d'entre elles semblent être taillées pour résonner dans des stades remplis de groupies. Oui, mais voilà, dans sa pop-rock conformiste, Frank Turner met un peu de son passé de frontman de Million Dead, mémorable combo émo-rock. Alors, quand les guitares s'emballent un peu, que la voix s'éraille, on trouve sur England Keep My Bones une sincérité et une énergie qui font plaisir à entendre.

Contre toute attente.

2012-01-12T00:42:00.002+01:00

Agora Fidelio - Les Illusions d'une route - Bagdad

Autoprod -2012

La surprise musicale de ce début d'année est, pour l'auteur de ces lignes, le fait de vieilles connaissances. Agora Fidelio, groupe de rock toulousain, revient avec le deuxième album d'une trilogie qui, lorsqu'elle sera complète constituera son quatrième effort discographique en presque dix ans d'activité. Le premier épisode, intitulé Barcelone, en avait convaincu beaucoup. Votre serviteur n'en était pas et, il faut l'avouer, ne pensait pas être de ceux qui salueraient avec enthousiasme le petit dernier. Pourtant, Agora Fidelio retrouve ici sa cohérence et se permet même d'étonner. L'écriture musicale est pertinente sans être convenue. L'atmosphère du disque est très noire et très énergique, comme jamais le groupe ne l'a été. Un moment, on croît être chez Bashung, le suivant, on est écrasé par des riffs saturés qui doivent heureusement plus au hardcore qu'aux BB Brunes. Les textes sont mieux ficelés que sur Barcelone et leur lien avec la musique apparaît plus pensé. Enfin, les relations entre la guitare et la basse sont nettement clarifiées. Les belles choses semblent ici naturelles, comme le minimaliste Drapeau Blanc ou l'excellent final J'ai vu, qui porte le même blues qu'une complainte de A Silver Mt. Zion. Un disque tout à fait recommandable.

En écoute sur SoundCloud.

Addendum.

2011-12-30T00:52:00.001+01:00

Cave In - White Silence

Hydra Head - 2011

Comment a-t-on pu oublier, dans la rétrospective lisible ci-dessous, le White Silence de Cave In? Erreur d'autant plus impardonnable que cet excellent album signe le vrai retour des Américains, un temps séparés. Bien plus qu'un Perfect Pitch Black inégal, et dans un registre différent du très accessible Antenna, cet album réconcilie deux facettes du groupes : l'agressivité sonore et les promenades spatiales qui peuvent valoir à Cave In d'être taxé de Radiohead hardcore. Puissant, déchirant et inspiré, White Silence est l'un des plus beaux disques du moment. Jusque dans ses bizarreries, telle la basse en forme de ronronnement d'hélicoptère de Heartbreaks, Earthquakes, une belle chanson qui se promène entre Failure, les Beach Boys et les Pink Floyd. Efficace mais pointu, ce groupe n'a renoncé à aucune de ses ambitions. Brillant.

2011, un genre de bilan.

2011-12-22T00:40:00.000+01:00

Que restera-t-il de l'année musicale 2011? On ne saurait, en cette saison, éviter l'interrogation rituelle. Sans prétendre à l'exhaustivité, voici ce que l'auteur de ce blog a retenu de ces douze mois.

Explosions In The Sky. Vus pour la première fois en concert au mois de mai. Les Texans ont bien défendu leur dernier album, Take Care, Take Care, Take Care et livré des interprétations magnifiques de certains de leurs meilleurs morceaux. On a pu vérifier que, loin de n'être qu'un autre de ces groupes de post-rock interchangeables, Explosions In The Sky fait partie des meilleurs. Et la comparaison avec le concert de Mogwai, quelques mois plus tard, n'incite pas à réviser son jugement. Entre les Ecossais appliqués mais sages et l'énergie splendide des Américains, le choix est simple.

Real Estate. Pour des raisons curieuses, le précédent disque de cet énième groupe en vogue était apparu supportable, mignon, voire sympathique. Mais Days, sorti cette année, est bien trop inoffensif pour émouvoir. Ou même simplement pour attirer l'attention. Lorsqu'il se retrouve malencontreusement coincé dans une playlist entre les vivifiants Shimmering Stars et quelque boucherie metal dont l'auteur raffole (les Toulousains de Drawers, par exemple), ce machin n'a pas grand chose à dire pour sa défense. Et d'ailleurs, on ne les entendra pas ici.

Omega Massif. Avec Karpatia, ces Allemands ont prouvé cette année que l'on savait faire aussi bien outre-Rhin que chez les héritiers américains de Isis et Neurosis. Les guitares sont amusantes comme un barrage d'artillerie et l'écriture a progressé depuis le prometteur Geisterstadt, que l'on peut désormais télécharger en intégralité et gratuitement sur l'excellent label Denovali.

Battles. Le retour de ces atypiques s'est fait avec un Gloss Drop à peine un peu moins exigeant que la précédente livraison du groupe. On accroche plus rapidement, grâce à la science consommée du rythme qu'affichent ces Américains.

Civil Civic. Cette chose a de quoi laisser perplexe. Des lignes de basse en plomb, des claviers parfaitement éhontés et des mélodies dignes de sonneries de téléphone portable. De la musique pour événements sportifs de masse, avec ce qu'il faut de crasse pour que cela demeure tolérable. Avant, sans doute, de devenir insupportable.

David Byrne. L'interprétation live de This Must Be The Place dans le film éponyme de Paolo Sorrentino aiguise la curiosité à propos de ce tube, que l'on avait déjà entendu dans le Wall Street d'Oliver Stone. La version du film avec Sean Penn est excellente. Celle-ci n'est pas mal non plus :

Champêtre, essentielle, dévastatrice.

2011-07-24T01:46:00.003+02:00

Neurosis n'a vraiment rien perdu depuis l'époque où a été tournée cette vidéo. Hardcore champêtre, venue semble-t-il tout droit d'une nature essentielle, cette musique a écrasé La Machine du Moulin Rouge, à Paris, avec toute la force d'une crue dévastatrice. Cela fait beaucoup d'adjectifs, mais il est vrai que l'expérience se transmet difficilement par les mots.

On dirait le sud.

2011-07-11T00:32:00.003+02:00

Cancer Bats, voilà le genre de groupe qui fait perdre la raison à l'auteur de ces lignes. Ces Canadiens produisent un genre de hardcore très basique qui sent le metal et le vieux blues sudiste, dopé aux vapeurs d'essence; le type de musique qui donne envie de faire des dérapages dans la poussière au volant d'un pick-up. Ces jeunes bûcherons punks sont les rois du riff dont on ne se départ plus, et ils ont le mérite d'user de leur talent d'une façon suffisamment originale pour qu'on ne les confonde pas avec la multitude de groupes voisins.

Voici d'abord la vidéo de Hail Destroyer, titre extrait de l'album du même nom. Certes, il y a un loup, mais enfin, l'on a déjà vu pire en matière de clip.

L'on ne résiste pas au plaisir de faire partager un second morceau, le bien nommé Lucifer's Rocking Chair, porté par un diabolique mouvement de balancier qui ne peut que donner envie de secouer la tête en rythme.

Les Cancer Bats ne rechignent pas à se livrer de temps à autre à l'exercice de la reprise, comme avec Agenda Suicide des très hype The Faint ou le classique Sabotage des Beastie Boys. Ils ont en plus le bon goût de ne pas se prendre trop au sérieux, comme l'illustre ce clip.

La basse de Mogwai.

2011-07-05T10:49:00.004+02:00

Lundi, Mogwai était aux Folies Bergère pour un concert tout à fait dans la lignée de ce que l'on peut attendre de ce groupe. Imposant leur son parfois très, très rock à une salle étonnamment peuplée de profils que l'on n'a pas l'habitude de croiser à un concert de post-rock, les Ecossais ont fait leur boulot, à l'image de leur oeuvre toute entière : sans aller trop loin. Leur dernier album, Hardcore will never die, but you will n'est pas exactement leur meilleur, mais il serait faux de dire qu'il n'y a rien en à retirer. Et tout ou presque chez Mogwai relève de ce consensus : c'est bien, mais il n'y a pas de quoi se relever la nuit. On en retiendra cependant des lignes de basse très bien mises en valeur, portant même les riffs devant les guitares, grâce à un son tout simplement extraordinaire.

Et il y a toujours le "refrain" de Killing All The Flies, dont la quatre-cordes, justement, laisse toujours pantois l'auteur de ces lignes, après tant d'années. La vidéo a été tournée lors d'un concert à Birmingham.

While my guitar djently weeps.

2011-06-25T23:58:00.008+02:00

Connaissez-vous le djent? Jusqu'à récemment, l'auteur de ces lignes n'en avait jamais entendu parler. Ce terme barbare joue sur une allitération pour évoquer un type de metal particulier, dont le groupe pionnier est censé être Meshuggah, des Suédois au son reconnaissable entre mille qui, pendant des années, ont paru relativement seuls sur leur créneau.

Leurs guitares 8-cordes accordées très bas et leur écriture rythmique complexe ont pourtant fini par marquer les foules, si bien que toute une génération de groupes actuels se réclament de ces précurseurs. Leur point commun? Des riffs qui appuient exagérément la rythmique au détriment de la mélodie, pour un résultat sonore qui s'approche d'un bruit métallique -"djent, djent, djent"-. Nombreux sont ceux qui contestent la légitimité de l'étiquette, probablement à raison, mais enfin, ce terme a eu des effets performatifs puisque beaucoup de médias, d'utilisateurs de forum et autres commentateurs plus ou moins anonymes s'en servent.

Les pères fondateurs, Meshuggah, ont su évoluer au fil des années tout en conservant leur très forte identité, que la vidéo ci-dessous résume assez bien. Des sonorités agressives et froides, qui semblent parfaitement calculées, comme si elles étaient issues d'une machine. Meshuggah a quelque chose d'industriel, peut-être plus encore que les groupes habituellement affublés de cet adjectif.

Les groupes récents qui font appel aux mêmes repères musicaux ont pour principal défaut d'arriver trop tard. Les structures rythmiques surprenantes des natifs de Umeå ne sont plus si neuves aujourd'hui, d'autant que le metal n'en a pas l'exclusivité. Dans le hardcore aussi, nombreux sont ceux qui ont torturé le bon vieux riff rock pour en faire la nouvelle frontière d'un genre qui n'avait jusque-là pas changé grand chose au punk dont il est issu. The Dillinger Escape Plan en fait partie.

Les groupes de djent, eux, n'ont pas grand chose à voir avec ces punks virtuoses. Par leurs choix iconographiques, mais surtout par leur musique, ils semblent se placer en héritiers du metal progressif. Et il faut bien l'avouer : certains d'entre eux réussissent plutôt bien, comme les Néerlandais de Textures.

Autre exemple avec les Britanniques de Sikth, dont les guitaristes mettent des notes partout en glissant du tapping à tous les coins de riff. On conçoit que l'écoute soit éprouvante pour le néophyte, d'autant que les deux chanteurs ne facilitent rien. L'auteur, pour sa part, apprécie plutôt, en particulier leur premier album, The Trees Are Dead & Dried Out Wait for Something Wild. Oui, les titres aussi sont peu pratiques. L'extrait que voici vient d'un album plus récent et bien moins sympathique.

Avec Textures et Sikth, l'on reste dans la préhistoire du djent. Ces groupes ne se sont jamais considérés comme faisant partie de cet ensemble-là et il est probable qu'au moment de leurs percées respectives, dans le milieu des années 2000, le barbarisme n'existait pas en tant qu'étiquette musicale. Parmi les groupes contemporains qui correspondent parfaitement à la description du djent telle que fournie par Wikipedia ou d'autres sources, l'on trouve la formation britannique TesseracT. D'abord projet solo, TesseracT s'est fait connaître sur le web, surprenant les amateurs de metal avec son style qui fusionne de manière totalement naturelle les caractéristiques metal évoquées plus haut et des passages presque psychédéliques, sinon post-rock.

Avec TesseracT, on comprend déjà que l'esthétique de Meshuggah a été largement dépassée, au profit d'une fusion qui, cette fois, laisse toute sa place à la mélodie. Mais ça n'était pas encore assez pour le fondateur de Periphery, un groupe américain. Là, aussi, tout à commencé par l'acharnement d'un guitariste seul qui s'est fait remarquer avec ses démos diffusées sur Internet. Periphery ne voulait manifestement pas de la rigueur nordique de ses aînés et Misha Mansoor, le leader du groupe, a donc entrepris de laisser son romantisme débordant se mêler aux riffs de quatre tonnes. Soli interminables que ne renierait pas Bon Jovi et progressions héroïques sont maintenant de la partie. De plus, cette génération-là n'a pas honte d'utiliser de l'autotune, cet outil destiné d'abord à corriger la fausseté des voix et finalement promu au rang d'effet de style par une série d'artistes qui périront dans les flammes de la géhenne pour cette ignominie. Décomplexé, Periphery en abuse, ce qui fait ressembler certains refrains à un étrange mélange de Chris Brown et de metal.

Il semble qu'il faut attendre d'être confronté aux ultimes évolutions d'un genre artistiques pour commencer à en voir les défauts intrinsèques. Il en est ainsi de ce djent, dont les clichés sont autant de limites. Par exemple, des guitares qui sont presque des basses tant elles tombent dans les graves, une insistance coupable sur les cymbales china, l'absence de variété qui se dégage de compositions basées sur deux notes. Ironiquement, les petits nouveaux pourraient s'inspirer de... Meshuggah qui, sur son dernier album ObZen, paraît dopé par un jeu beaucoup plus rapide, sans pour autant juger utile de rentabiliser son habileté technique en mettant des fioritures partout.

Message à caractère festif.

2011-06-21T22:05:00.005+02:00

Ce soir, Paris bruisse de toutes les musiques et des lycéens transpirants sirotent des Heineken dans le métro. La fête de la musique, c'est l'événement facile à haïr par excellence. Des soundsystems qui vomissent leurs basses de bar en bar, des reprises de Nirvana à la truelle et des ensembles de jazz rouillés qui tentent leur sortie annuelle, oh oui, ce 21 juin ne manque pas de sujets d'irritation.

Il y a quelques minutes, sur une place de la capitale, votre serviteur a ainsi pu vérifier une fois de plus un vieil adage de chanteur : on n'introduit pas son guitariste -"A la guitare, ... ... Julien !"- comme s'il allait délivrer un solo de Steve Vaï alors qu'il s'apprête à foirer l'introduction de Plug In Baby de Muse. Mais trêve de moqueries : l'auteur de ces lignes ne sera jamais pris en train de réclamer que la fête de la musique soit supprimée.

Tout d'abord, parce que lorsqu'il existe une journée mondiale de la Corse, la musique peut bien avoir sa fête. Ensuite, parce que la fête de la musique offre tous les ans une occasion unique à de jeunes groupes et artistes de se lancer face à un public (captif, diront certains). A 15 ans, on ne sait pas toujours ce qu'il faut faire pour accéder aux lieux accueillant les concerts. Le 21 juin, dans sa généreuse cacophonie, permet aux purs débutants de rencontrer des amateurs confirmés, qui connaissent la scène locale. Pour un jeune musicien ou qui aspire à le devenir, ce peut être un moment fondateur.

Il ne faudrait pas terminer sur une note trop positive, aussi je glisse ici La Fête de la musique, de l'excellent collectif L'Atelier :

Le All Star Game du metal.

2011-05-27T11:14:00.003+02:00

Quand Gojira, Devin Townsend et Frederik Thordendal de Meshuggah se réunissent, ça donne Of Blood and Salt, un morceau de six minutes qui apparaîtra sur un futur E.P. dont les profits seront reversés à l'ONG Sea Sheperd. Les Landais de Gojira sont décidément pleins de ressources et l'on ne peut contenir une certaine impatience à l'idée d'écouter cette nouvelle production, qui devrait accueillir d'autres invités prestigieux.

Quatre bonnes raisons d'écouter le dernier album de Revok.

2011-05-25T09:05:00.008+02:00

Revok - Grief Is My New Moniker

2011 - Musicfearsatan

1. Parce que Revok a grandi, depuis l'époque de ses prometteurs premiers E.P. La production, signée Syvlain Biguet (coupable de quelques-uns des grands moments de la nouvelle scène "hardcore" française, de Comity à Parween), met en valeur l'âpreté du son de Revok. Tout transpire l'urgence et la spontanéité, mais rien n'est pourtant laissé au hasard.

2. Parce que ces Parisiens composent de manière plus mature qu'auparavant. Leurs morceaux sont plus efficaces, plus profonds, et pourtant, ils ne renient rien de leur identité. On retrouve sur Grief Is My New Moniker un réflexe d'écriture qui faisait il y a déjà cinq ans de leur titre Cranex 350 une drôle d'expérience en live : la répétition d'un motif jusqu'à provoquer l'hypnose. Et ça fonctionne ici mieux que jamais.

3. Parce que c'est un album équilibré. Le disque s'ouvre sur Mile End et son riff en forme de proclamation, une vraie décharge d'énergie. D'autres envolées de ce type balisent Grief Is My New Moniker, mais elles sont accompagnées de contrastes et de ruptures qui empêchent la lassitude de s'installer.

4. Parce qu'il est possible de se faire un avis pour pas cher. L'album est disponible en mp3 gratuitement ou chez Musicfearsatan en CD ou double vinyle.

Magique.

2011-05-21T23:23:00.006+02:00

L'adjectif "magique" est un peu galvaudé, ces temps-ci. S'il est utilisé pour décrire indifféremment un mariage royal, l'effet d'un détergent ou un triomphe sportif, le mot semble malheureusement le seul adéquat pour qualifier la prestation des Texans d'Explosions In The Sky vendredi 20 mai, dans la belle salle du Bataclan, à Paris. Explosions In The Sky, pour certains, n'est qu'un avatar post-rock supplémentaire, dont les compositions répètent un schéma que d'autres ont déjà usé. Pour l'auteur de ces lignes, au contraire, ces cinq garçons subliment la formule traditionnelle basse-guitare-batterie. Tous leurs disques témoignent d'un art subtil de la composition, les guitares s'y mêlant dans des constructions mélodiques complexes qui, faute de chant, font figure de trame narrative. Ou, pour le dire vite : c'est très joli.

La joliesse, néanmoins, ne peut constituer l'unique raison d'être d'une oeuvre d'art, au risque de produire de la musique décorative pour réclames de compagnies d'assurance. Les chafouins rétorqueront que les Texans dont s'agit ont eux-mêmes vendu leur musique aux publicitaires, et ils auront raison. Mais Explosions In The Sky vaut plus que par ses disques où le quidam sera libre de ne voir que d'émouvants arpèges noyés dans de la reverb. Vendredi soir, face à la foule parisienne, Explosions In The Sky a prouvé que sa musique n'était pas là pour décorer, achevant de convaincre de sa sincérité.

Le batteur, le bassiste et les trois guitaristes, énergiques et concentrés, n'affichent pas leur virtuosité, mais elle est évidente. Dans les couches successives de six-cordes, ils ne se perdent jamais, chacun apportant sa contribution à l'édifice. Généreux et manifestement contents de jouer, ces musiciens ne trahissent pas l'image que l'on avait formé d'eux en écoutant leurs disques. Explosions In The Sky, sur scène, produit quelque chose d'indéfinissable, suscite par moments un écrasant enthousiasme, de la joie, même. Magique, c'est bien le mot.

Le dernier album du groupe, Take Care, Take Care, Take Care, s'écoute ici en streaming.

Découvertes.

2011-05-08T09:01:00.008+02:00

Mélanie Laurent fait de la musique. Cela devrait susciter de la part de l'auteur de ces lignes un commentaire acerbe sur le nombre de jeunes artistes que les sommes investies dans le contrat de l'actrice auraient pu contribuer à lancer, mais de cette attaque facile, nous nous abstiendrons. Après tout, Mélanie Laurent ne chante pas comme une casserole et, En t'attendant en témoigne, elle n'a pas mauvais goût. Sur un fond pop-rock aux arrangements soignés, Mélanie Laurent développe un univers musicalement correct, fort éloigné, par exemple, de certaines atrocités auxquelles le passé récent a confronté l'humanité. Un peu comme Charlotte Gainsbourg avec Air ou Beck, la comédienne profite ici d'une collaboration avec Damien Rice sur plusieurs titres. L'ensemble est-il bouleversant ? Certainement pas. Est-il honteux ? Pas plus. Mais il faudra sans doute plus que cette joliesse de surface pour que l'on se souvienne de Mélanie Laurent, la musicienne.

Découverts par hasard au détour d'une chronique flatteuse, les Medications s'avèrent être la continuation des excellents mais éphémères Faraquet. Issus de la prolifique scène de Washington D.C., ces garçons pratiquent sur leur album Completely Removed un math-rock dynamique et sans surcharges d'abstraction. Puissante, sophistiquée mais toujours intelligible, la musique de Medications s'autorise quelques plaisantes fantaisies, tel un Kilometers and Smiles, mi-Rage Against The Machine, mi-Beach Boys. Et pour l'ex-lecteur de Rock Sound qui se posait la question, non, il ne s'agit pas du groupe de Logan Mader, ancien guitariste de Machine Head. Ci-dessous, Domestic Animals, une chanson issue de leur premier disque, datant de 2004, certes, mais l'esprit y est.

"Mais pourquoi ?", s'écria-t-il.

2011-04-29T02:23:00.004+02:00

Le nouvel album de Dredg s'intitule Chuckles And Mr. Squeezy, un titre qui ajoute au ridicule un fond de sourde angoisse; Mr. Squeezy, cela ressemble au nom que pourrait donner quelque maniaque à ses parties génitales. Mais je m'égare.

Curieusement, cette production signée Dan The Automator (Gorillaz, Head Automatica) sonne exactement comme son titre biscornu. Le producteur s'est emparé de Dredg et l'a fait rentrer dans son moule. Arrangements et effets à foison, beats qui claquent et petites mélodies qui ne font pas trop de dégâts, voilà le programme de cet opus.

C'est bien triste, car Dredg, groupe de guitares, valait par sa franchise rock, ses coups de caisse claire et ses distorsions sans chichis. Presque personne ne fait du rock comme ça, aujourd'hui; tout n'est que production, couche sur couche d'instruments au milieu desquelles le pauvre groupe semble noyé.

L'expérience tentée par Dredg est certes audacieuse. Mais on ne peut s'empêcher de penser que tout cet attirail n'est pas nécessaire quand on a autant de talent.

Bug Eyes date un peu, mais tout y est.

Echecs de jeunesse.

2011-03-20T02:25:00.007+01:00

Peu d'artistes sont capables d'écrire des chansons telles que, dès les premières secondes, un besoin physique irrépressible de s'emparer d'un instrument saisit l'auditeur, lequel finit par s'humilier en mimant des rimshots avec des stylos Bic. Thursday est de ceux-là. Curieusement, ce groupe américain sait aussi produire des morceaux relativement peu surprenants, voire même, à l'occasion, se planter totalement. Mais l'auteur de ces lignes n'a pas rencontré dans sa vie dix morceaux qui, après tant d'années, suscitent en lui la même passion que cet Autobiography Of A Nation. La nostalgie des jeunes années s'est ajoutée à l'enthousiasme initial face à cet hymne parfait, climax incontestable de l'emo-hardcore -il n'y a guère que le Marathon Man de Lack pour rivaliser. L'on se rappelle ainsi cette fête de la musique durant laquelle, acculés par un patron de bar pourtant conciliant, il nous fallut trouver en catastrophe un nom de groupe, pour figurer au programme de la soirée sur un tableau noir posé à côté de la carte des consommations. Notre choix fut proche du titre de la chanson de Thursday et surtout, étrangement prémonitoire de notre prestation ce soir-là : Anatomy Of A Failure.

Playlist du moment, cinquième.

2011-02-23T22:17:00.006+01:00

Radiohead est revenu. Bien sûr, il y a les questions rituelles : s'agit-il d'un opus mineur du quintette britannique ? S'agit-il d'un nouvel OK Computer ? King Of The Limbs ne cause pas le choc que fut en son temps Kid A. Il n'y a pas, non plus, l'ampleur phénoménale des titres les plus réussis d'OK Computer. C'est un disque sans doute moins jouissif que Hail To The Thief. Bref, c'est un album de Radiohead, à une époque où, pour nous surprendre, le groupe n'a guère d'autres choix que de se mettre à la musette ou au rap hardcore. Le monde a changé autour de Radiohead, mais ce qui fait l'originalité du groupe et son inventivité demeure.

De Tron : Legacy, il n'y a pas grand chose qui vale la peine d'être souligné. La musique, signée Daft Punk, fait exception. Ces deux garçons, dont l'auteur de ces lignes a longtemps détesté le travail, opèrent ici une habile fusion entre leurs hymnes électroniques et la grosse machine orchestrale hollywoodienne. Certes, les deux Français empruntent éhontément les réflexes de Hans Zimmer -on pense en particulier à certains thèmes de Inception. Mais l'ensemble est original et sauve plusieurs scènes de l'insignifiance. Inutile de préciser que lorsque la musique porte presque entièrement le film, le cinéma n'en sort pas gagnant.

Rien de bien neuf avec Subject To Change Without Notice, de Keelhaul sorti il y a -mon Dieu !- huit ans. Reste que dans ce genre, on ne fait pas beaucoup mieux. C'est brutal comme du metal, avec des grooves volés au jazz et des intentions on ne peut plus hardcore. Effrayant au premier abord, Keelhaul va extirper la beauté de la saturation et de la dissonance.

Enfin.

2010-11-15T00:01:00.009+01:00

Envy - Recitation

Temporary Residence - 2010

Au sujet d'Envy, l'on ne se faisait plus d'illusions.

Ces Japonais furent, du temps de leurs albums All The Footprints You've Ever Left And The Fear Expecting Ahead et A Dead Sinking Story, au sommet du hardcore émotionnel, capables d'une écriture des guitares qui semblait puiser dans la musique classique sa pertinence mélodique.

Vint alors Insomniac Doze, album honnête, proche de Mono et de son post-rock toujours dans les clous. Honnête, ça n'était pas assez pour Envy. Quelques E.P. insignifiants plus tard, ce Recitation sorti récemment ne portait donc plus aucune promesse.

Evidemment, ce fut une bonne surprise. Des atermoiements jolis mais parfois ennuyeux de sa période récente, Envy ne s'est pas encore vraiment défait. Mais l'on retrouve cette incroyable vigueur, cette fureur indescriptible qui habite les grands morceaux des vieux disques du groupe. Certes, les harmonies d'un Rain Clouds on a Holy Night ne bouleversent pas l'esthétique du genre, mais quelle puissance ! Light and Solitude n'est pas mal non plus, avec ses arpèges qui semblent jaillir dans la nuit, en allant même en remontrer aux plus belles réalisations du post-rock lacrymal.

Enfin, l'on peut à nouveau aimer Envy, avec la passion que l'on réserve aux œuvres qui réveillent quelque chose de profond.

Envy - Worn Heels and the Hands We Hold

Playlist du moment, quatrième.

2010-09-16T01:03:00.005+02:00

Ils n'ont pas peur des guitares, les We Were Promised Jetpacks, pas comme tous ces freluquets qui font des manières en lorgnant les derniers succès indie. Ici, on est plus proche de l'emo-hardcore que du retour aux sources idiot sur le mode "jouons sur des amplis cassés pour faire vintage". L'énergie déborde et si ça chante parfois un peu faux, ça n'empêche pas d'y croire.

Projet d'un temps, qui semble aujourd'hui abandonné, Electric Masada n'est que l'une des nombreuses pérégrinations du saxophoniste John Zorn. Mais quelle ampleur, quelle élégance, quelle puissance ! Se laissant dériver au gré des improvisations, les très très grands musiciens qui composent ce groupe éphémère construisent des voyages miniatures, des mondes en réduction, des histoires compressées. C'est passionnant.

Il a bien fallu s'y mettre, pour voir, avec l'espoir secret d'avoir beaucoup de mal à en dire. Les Suburbs d'Arcade Fire ne sont pas vraiment le genre d'album qui passionne l'auteur de ces lignes, mais il y a de bonnes idées mélodiques et des choses amusantes avec des claviers ringards.

Torche n'a pas le caractère spectaculaire de son prédécesseur, Floor. Mais, sous ses dehors plus banals, ce rock-là sonne comme peu d'autres. Puissant, mais aérien, avec quelque chose de primaire et d'indéfinissable.

Impressions, un samedi à Rock en Seine.

2010-08-30T17:41:00.005+02:00

Un peu verts, les Two Door Cinema Club. Les juvéniles Irlandais semblent avoir trop de place sur la scène de la Cascade, où ils commencent avec hésitation. Néanmoins, on ne peut s’ennuyer tout à fait avec leurs morceaux, qui ressemblent à une mise à jour de Bloc Party à la lumière des tendances math-rock, introduites par Foals aux masses populaires. Sympathique, mais peu mémorable, leur prestation surpassait néanmoins le soporifique concert des Stereophonics, donné sur la grande scène à grand renfort de réflexes rock galvaudés et de riffs entendus mille fois.

En attendant Jonsi, l’on peut constater que le domaine de Saint-Cloud se remplit rapidement d’une foule jeune, centaines de Converse aux pieds et iPhone dans les mains. Entre les scènes, on trouve de nombreux stands où l’on peut se restaurer à des prix assez supérieurs à ceux du marché. On rencontre aussi la prolifération des sponsors : installations de mauvais goût et musique agaçante -ainsi, le superbe bar dédié à une boisson énergisante, où trône un imposant Chevrolet Silverado, gigantesque véhicule, sur lequel s’ébrouent des jeunes filles en short. Mais voilà que quelqu’un s’avance sur la scène de la Cascade. C’est le manager de Jonsi, qui s’excuse. Diable ! Encore une annulation qui viendra grossir la légende de Rock en Seine ? Non, mais la batterie électronique du groupe accompagnant le chanteur de Sigur Ros est restée en Espagne, ce sera donc un concert acoustique.

Après quelques chansons de l’Islandais, il est temps de prendre la fuite pour aller voir les Queens Of The Stone Age sur la grande scène. En plein soleil, les américains assurent un set qui va chercher dans les vieilleries, ce qui n’est pas pour déplaire aux nostalgiques de Songs For The Deaf et Rated R. On note ainsi le mémorable I Think I Lost My Headache, puissant et joué avec une assurance remarquable. L’excellence tranquille des musiciens et la bonne humeur de Josh Homme assurent une performance sans surprise mais sans déception non plus.

On écoute LCD Soundsystem en passant. Le phénomène tant attendu nous échappe, d’abord, il est vrai, parce qu'on voulait être bien placé pour le concert de Massive Attack, mais aussi un peu parce que les quelques minutes passées devant les Américains ne s’avèrent pas bouleversantes.

Tassés parmi la foule devant la grande scène, il faut patienter un peu avant que Massive Attack n’apparaisse. C’est l’exception dans une journée où les horaires auront, semble-t-il, toujours été respectés. On comprend vite que le spectacle sera tout autant visuel que musical. Le groupe joue sous de grands panneaux lumineux, qui diffusent des messages variant selon le titre interprété et traduits en Français, voire même tirés directement de l’actualité récente. Les éclairages sont très pertinents et les conclusions de certains morceaux sont extrêmement réjouissantes, à l’image d’un Tear Drop magnifiquement retravaillé. La basse dicte sa loi, comme sur Angel, en écrasant le public de vibrations, tandis qu’au micro se succèdent plusieurs interprètes, dont l’excellent Horace Andy et l’étonnante Martina Topley-Bird. Se reposant principalement sur leur dernier opus Heligoland et sur les classiques de Mezzanine, Massive Attack donne un concert parfaitement maîtrisé, mais malheureusement un peu court. En vérité, des concerts comme celui-là, on en supporterait bien une heure de plus.

Instantanés.

2010-07-31T01:09:00.004+02:00

Du passage à Paris de Converge, Kylesa, Gaza et Kvelertak le 26 juillet, votre serviteur a gardé quatre images fortes.

La joie de vivre des musiciens de Kvelertak. Ces types bondissants étaient manifestement heureux de jouer à Paris. Ils ont balancé leurs titres parfois un peu kitsch avec un tel enthousiasme qu’il aurait été grossier de ne pas les applaudir à tout rompre à la fin de leur prestation.

Les deux batteries de Kylesa. Le spectacle fut autant visuel que musical : voir deux batteurs jouer ensemble est toujours une expérience qui met en jeu plusieurs sens. Avec Kylesa et ses chevauchées metal aux longues enfilades de rythmes tribaux, l’effet fut remarquable. On en oublia même des guitares affreusement saturées en aigus et des performances vocales qu’un ingénieur du son doté de discernement aurait entrepris de dissimuler un peu mieux. Chez ceux-là aussi, l'envie de jouer transpirait et l’on en sortit heureux.

Kurt Ballou, l’héroïque monsieur-tout-le-monde. Chez Converge, il y a Jacob Bannon, fou furieux noyé par son charisme; Nate Newton, bassiste odieux (en réponse aux invectives de quelque membre du public : “Oh, you think I suck ? Well, you’re down there and I’m up here. You’re paying to see me. So french-kiss my asshole.”) et le chevelu batteur Ben Koller. Ces trois-là ne dépareillent pas dans le monstre musical que constitue Converge. Kurt Ballou, en revanche, a l’air sympa d’un mec du service informatique. Et pourtant, avec ses dehors affables, ce guitar hero punk porte totalement le groupe sur ses épaules. Avec un talent de compositeur unique, il réinvente le hardcore depuis plus de dix ans. Sur scène, la technicité de son jeu s’efface devant la prodigieuse dépense d’énergie. Sûr qu’il court parfois derrière ses riffs, mais enfin, ce monsieur-tout-le-monde a un vrai style.

Un sourire pour Gaza. Voilà les grands gagnants de la soirée : ces quatre Américains déterminés et communicatifs qui ont livré leur musique avec application et ce qu’il faut de fureur pour que l’on y croie. Rien n’a permis de prendre Gaza en défaut, le chanteur s’offrant même le luxe de faire de l’humour (“We have a new album called ‘He is never coming back’, which is an obvious reference to George Bush. And Jesus.”) Athées militants, consciences bruyantes, Gaza a montré, derrière ses morceaux destructeurs, une autre facette de l’Amérique et du hardcore actuel. C’est avec un réel bonheur que l’on a vécu ce concert.

Fausse route.

2010-07-31T00:01:00.008+02:00

Year Of No Light - Ausserwelt

Conspiracy - 2010

Seuls les bons groupes peuvent créer la vraie déception. C’est en écoutant Ausserwelt que l’on réalise à quel point Nord, le précédent opus de Year Of No Light, était bon.

Ces Bordelais nous avaient remués avec ce premier disque aux riffs inspirés et aux ambiances forestières. Il y avait quelque chose de puissant dans l’écriture musicale, par ailleurs fortement empreinte des tendances du moment : guitares énormes et longues plages instrumentales. C’était peu original, mais rudement bien fait. Aujourd’hui, Ausserwelt marque une évolution sonore importante pour le groupe, mais aussi un échec cuisant : ici, plus de narration, mais un magma émotionnel archétypal, la mort de l’écriture.

L'influence du drone et ses dérivés plus ou moins électroniques est sans doute passée par-là. Autrefois machine de guerre, Year Of No Light est devenu un vague tourbillon, entre échos et distortions. Ausserwelt semble avoir l’ambition d’un groupe comme Rosetta, ces Américains dont les deux premiers albums font figure de synthèse du post-hardcore tel qu’on l’entend aujourd’hui. Mais Ausserwelt ne va nulle part, sinon dans des tristesses déjà entendues, des cascades de notes lugubres et familières.

La déception est donc réelle, mais elle est relative. Il y a quelques trouvailles qui pourraient sauver l’album si Year Of No Light n’avait pas déjà fait mieux il y a des années. Ainsi, cette plainte glaçante qui s’élève aux alentours de la cinquième minute de Perséphone (Coré). C’est là l’une des rares exceptions à l’absence généralisée d’enjeu dans le message musical que transmet ce disque. En se laissant porter par un son monumental, Year Of No Light en a oublié de raconter quelque chose. Dommage, on adorerait entendre ce qu’ils ont à dire.

Angleterre 1 - Belgique 0.

2010-07-11T12:54:00.007+02:00

Coincée entre le ciel et l'imposante cathédrale Sainte-Cécile d'Albi, la scène principale du festival Pause Guitare accueillait samedi 10 juillet deux poids lourds, dans des genres bien différents : les Londoniens d'Archive et les Bruxellois de Ghinzu.

Des premiers, d'abord, disons le plus grand bien. On a connu Archive en petite forme, égaré dans un rock gentiment enlevé, loin de l'élégance unique de son premier album, le merveilleux Londinium. Mais Archive a commis l'an passé Controlling Crowds, synthèse brillante des intentions rock et des subtilités trip-hop des débuts. Avec une sonorisation bien gérée, ce qu'il faut de belles lumières et de vidéos projetées sur un immense écran à l'arrière de la scène, Archive a fait un malheur.

Solide et puissante, la section rythmique a fourni le carburant pour environ une heure trente, sans baisse de régime notable. Maria Q, présence féminine tout en maîtrise, et Rosko John, flow tendu, étaient de la partie. Au chant, Pollard Berrier et Dave Pen sont étonnants de confiance. Archive est une grosse production, portée par de très bons musiciens, mais, sous le professionnalisme évident perce de toutes parts l'envie de jouer et le respect des émotions projetées vers le public.

Difficile d'en dire autant de Ghinzu, qui jouait avant les Anglais. Ce groupe sut autrefois être joli. Il alterne aujourd'hui entre bonnes chansons rock et insipides éclairs d'énergie dansants parfaitement dans l'air du temps. Ce soir, il s'est vulgairement vautré dans les archétypes rock'n roll. Mesdames, messieurs, vous êtes venus voir un groupe à guitares, un groupe de chiens fous ; vous en aurez pour vos 30 euros.

Le chanteur garde un moment ses lunettes de soleil tandis qu'il s'excite sur son synthé. Autour de lui, ça s'agite raisonnablement. Après quelques chansons, il tente la prouesse et grimpe assez piteusement sur une enceinte, disparaît dans la nuit pendant quelques secondes et rate le début de son couplet en retombant sur scène. On croirait voir des ados s'entraînant à avoir l'air "cool" en concert. Parfois, le charismatique frontman, parfaitement francophone, préfère s'adresser au public albigeois en anglais. Remarques acides dans l'assistance : "Tu peux parler en français, hein !"

Il peut, le chanteur de Ghinzu et il ne s'en prive pas : "Hmm c'est bon ça !", s'étonne-t-il à propos de trois notes de synthé qu'il fait tourner en boucle. Boursoufflés d'égo rock'n roll, les Ghinzu livrent ce qu'ils croient être un bon concert. En fait, en méprisant jusqu'à la sobriété poignante de certains de ses titres, le groupe sombre. On a l'impression qu'ils n'y croient pas, qu'ils sont là pour autre chose. Les derniers morceaux, entre hymnes pénibles invitant à frapper dans ses mains et pop-songs pour publicités de produits bancaires, soulèvent la question : pourquoi ces gens font-ils de la musique ?

Merveilleux ringard.

2010-06-07T01:15:00.011+02:00

The Ocean - Heliocentric

Metal Blade - 2009

Le neo-metal, ce courant fusionnant le metal et des influences fusion, voire hiphop, est mort; c'est entendu. Ainsi, pposer sur un groupe le label est infamant, c'est un peu le goudron et les plumes de la critique musicale. Alors en lisant sur divers webzines que le dernier disque des Allemands de The Ocean cédait à la facilité, la platitude et surtout, à des accents de neo-metal, l'on a bien cru défaillir.

The Ocean, sans être vraiment connu, constitue la quintessence du metal actuel, particulièrement en concert, où l'impeccable mise en scène -lumières et vidéos- entraîne le spectateur-auditeur au coeur d'un monde violent et torturé. Certes, l'ensemble est froid et l'oeuvre toute entière est traversée par des catastrophes qui dépassent l'émotion individuelle. The Ocean est un cas de force majeure, pas une tragédie. On peut avoir du mal à adhérer, il n'en demeure pas moins que sur l'âme tendre du contemplateur ému de la sauvagerie musicale la plus ordonnée, ces musiciens-là font habituellement un effet terrible.

Alors, ont-ils menti, les virulents pourfendeurs de Heliocentric ? Non, il y a bien quelque chose de troublant avec le nouveau chanteur engagé par Robin Staps, le leader du groupe. Le garçon, compétent, chante bien dans plusieurs registres et montre même des dons d'imitation de Trent Reznor (Epiphany). Mais ce Loïc Rossetti a effectivement quelques traces en lui de la fin des années 90, dont les arrangements mélancoliques font ressortir l'aspect incongru. Et les harmonies rappellent plutôt les moments les plus difficiles de Dream Theater que toute autre entreprise d'un goût plus sûr.

Il n'empêche que ce disque là, contrairement à d'autres, bien plus tranquillement conformes à l'idée que l'on se fait de ce que doit être le post-hardcore, n'ennuie pas votre serviteur. Oui, The Ocean prend ses aises avec l'étiquette qu'on lui a collé à l'origine, et se vautre dans le metal, dans le prog, dans la pop, au choix ! Mais en osant Loïc Rossetti, le piano, les violons et toutes les fautes de goût passibles de mépris aux yeux des gardiens de l'esthétique pure des sectateurs de Neurosis; en s'autorisant toutes ces bizarres libertés, The Ocean emmène l'auditeur ailleurs et, en chemin, le surprend.

Pas une seconde l'oeuvre ne dévie de son concept -comme toujours avec ce groupe. De l'ouverture du cellophane à la dernière du seconde du disque, le fil conducteur est l'évocation d'une série de théories scientifiques qui ont remis en question les croyances religieuses. C'est intéressant, mais à la force de leurs riffs monstrueux, ils pourraient nous parler de chimie organique que l'on écouterait encore. Lesdits riffs se font plus rares, mais ils ont bien présents (fabuleux Firmament, Swallowed By The Earth ou The Origin Of Species), comme un rappel de l'unité remarquable de la production de The Ocean.

Alors, emporté par la joie, un peu perverse, que procure ce disque, on le dit sans douter : The Ocean n'a pas trébuché dans son parcours, Heliocentric était inscrit dans son ADN à l'époque même où les riffs de FluXion séduisaient encore les gens respectables qui s'en iraient bientôt écouter du sludge et d'autres choses validées à grand renfort de rétrospectives de Noise. La suite, prévue pour bientôt, sera accueillie ici avec la même curiosité excitée que ce drôle de disque.

Arnaques.

2010-05-25T11:57:00.005+02:00

Ce blog, il faut le reconnaître, tend à être dithyrambique. Cela correspond à une volonté de ne point verser, comme de nombreux critiques, dans le confort de la chronique négative, agréable à écrire et à lire, pour paraphraser un personnage du dessin animé Ratatouille. Néanmoins, les occasions de décrier ne manquent pas et il faut parfois se laisser aller. Petite collection d'indignations musicales...

A Place To Bury Strangers, le "groupe le plus bruyant de New York". On a aimé ces américains bricoleurs de distorsions sur leurs deux albums, entre la tension post-punk et le brouillard joli du shoegaze. Certes, le groupe agace parfois, avec son agitation trop dansante, mais enfin, l'on était curieux de le voir s'ébattre sur scène, au Trabendo, le 12 mai dernier. La prestation était solide, le son plutôt correct et la guitare, torturée comme prévue, noyée de saturations et de réverbérations qui font de cette formule un peu plus qu'une déviation pop de genres plus obscurs. Pourquoi, alors, parler d'arnaque ? Parce que A Place To Bury Strangers est vendu, sur les affiches, comme le "groupe le plus bruyant de New York". Ha ! Imaginez-donc le chaos, cette petite troupe de saccageurs sonores qui piétine, à force de pédales d'effets martyrisées, tous les autres bruyants de la grosse pomme, d'Unsane à Sick Of It All, oui ! Or, A Place To Bury Strangers n'est pas bruyant. A Place To Bury Strangers ne bouleverse aucune conception établie, en n'appliquant ses sonorités bizarres qu'à des compositions peu novatrices. Bien sûr, on pourrait d'abord s'interroger sur l'utilisation du "bruit" comme mérite publicitaire, remettre en question le recours à ce terme pour décrire une musique pensée et conceptualisée dans son désordre. Mais encore faudrait-il que le groupe dont s'agit repousse quelques limites, qu'il y ait plus que des trouvailles sympathiques dans ces chansons.

Khoma, la sauce qui ne prend plus. On avait apprécié le premier disque de ces Suédois, sorti en 2006. S'y rencontraient une certaine grâce et la gravité pesante venue de Cult Of Luna, groupe dont sont issus certains membres de Khoma. Sur A Final Storm, on est choqué d'entrée par la voix impossible, comme tirée par l'autotune, de Jan Jämte. Et les compositions, pas dépourvues d'attraits, peinent à accrocher, pourtant. Ce n'est pas exactement mauvais, mais ça n'est plus amusant.

Angels & Airwaves, ou le plaisir coupable écoeurant. De ce groupe-là, on n'a jamais rien attendu. Cette entreprise, fondée sur les ruines de Blink-182, avait tout pour laisser indifférent. On a écouté le premier album, We don't need to whisper, comme l'on mange le hamburger de trop. Il fallait être goinfre pour supporter la voix de Tom DeLonge, piètre chanteur, mal sauvé par des tonnes d'effets. Mais il y avait quelque chose d'un peu différent dans la pluie de guitares spatiales que faisait entendre le groupe. Avec LOVE, sorti le jour de la Saint-Valentin, Angels & Airwaves sombre dans le fécal. La faute à Tom DeLonge, moins en forme, si c'était possible, que par le passé. A certains moments, on oublie totalement les compositions pour ne plus entendre que cet omniprésent flot de voix qu'on croirait sorti d'un clip de R'n'B ringard. Le plaisir est oublié, ne reste que l'écœurement.

Them Crooked Vultures, dommage. Il y a des perspectives qui font perdre la tête : par exemple, l'association de Josh Homme, Dave Grohl et John Paul Jones au sein d'un même groupe. On n'y avait pas pensé, mais c'était évident : le groove du bassiste de Led Zeppelin, la frappe tonitruante du batteur de Nirvana et la poésie désertique de Kyuss, ça ne pouvait que fonctionner. Et bien ça fonctionne, mais c'est tout. Tout cela semble être fait en roue libre, sur des fonds traînants de blues rageur, avec, certes, une aisance qui ne se dément jamais. C'est parfois chiant comme du Queens Of The Stone Age des sales jours, jamais franchement mauvais, mais franchement jamais excellent. C'était pourtant le moins que l'on pouvait attendre.

Sons et lumières.

2010-04-14T12:46:00.010+02:00

Vous trouverez ci-dessous ce que l'auteur de ces lignes considère comme le meilleur clip de metal depuis très longtemps. Il s'agit de la vidéo réalisée par Manuel Rufié pour Eryn Non Dae., groupe toulousain signé chez Metal Blade. Leur album, Hydra Lernaïa, est très réussi, et le titre qui a fait l'objet de cette passionnante mise en image, The Decline & The Fall, est excellent, parfaitement construit. Ce petit film pourrait illustrer une définition de la synesthésie (en neurologie, l'association de deux ou plusieurs sens), tant le visuel et le sonore semblent se confondre.

Première écoute.

2010-03-20T15:30:00.009+01:00

Je viens de me procurer le premier album des Toulousains de My Own Private Alaska. Amen a été enregistré il y a presque deux ans aux Etats-Unis sous la direction de Ross Robinson, fameux producteur qui révéla au monde Korn, Limp Bizkit et Slipknot. Ross Robinson avait pour difficile mission de faire le son d'un groupe au postulat simple et pourtant encore inédit : de l'emo-hardcore sans guitares ni basse, ne reposant que sur un piano, une batterie et un chant hurlé. Tristan, Matthieu et Yohan sont derrière ce projet original qui les a menés, un peu plus de deux ans après la formation du groupe, en première partie de Metallica à Nîmes, l'été dernier.
Ce groupe me tient à coeur, car je l'ai vu se créer, des rumeurs circulant dans le petit milieu de la scène toulousaine à un premier concert dans le mythique et très mal décoré Caravan Sérail, lieu interlope où se croisent punks, métalleux et rockeurs de la Ville Rose. Aujourd'hui, les voilà signés à l'étranger et prêts à conquérir le monde. Voici mes impressions sur leur disque, en presque direct, au fil de la première écoute.

Tout commence avec Anchorage, sans détour. On regrette cette entrée en matière brutale, par un morceau qui ne semble pas avoir de dynamique narrative. Il y a bien quelque chose de joli -il y a toujours du joli chez MOPA, mais enfin, l'emphase nuit, ici, à l'émotion. Peut-être tout cela est-il trop personnel. Et comme si le message n'était pas assez clair, le titre se conclut avec une intervention de Matthieu, le chanteur, expliquant qu'interpréter ce texte-là l'a vidé de ses forces.

Joie : voilà l'introduction de After You. Une batterie lourde imprime un rythme dansant -le jeu est physique, comme toujours avec Yohan. Matthieu trouve le ton juste et le morceau fonctionne, dérivation pop virulente de la formule première du groupe, autrefois plus hardcore.

Die For Me est connue : elle figurait sur le premier E.P. du groupe, surprenante petite chose pourtant bricolée dans l'urgence, presque entre potes. La production dépouillée mais soignée du premier disque avait quelque chose de touchant. Ici, la débauche de moyens est épatante et rend service au morceau, sans pour autant le transcender.

Tiens, voilà quelque chose de surprenant, dans Broken Army. Les effets plaqués sur la voix évoquent ceux du fabuleux Relationship Of Command, album mémorable d'At The Drive-In produit par Ross Robinson. Entre une batterie toujours en tension et un piano qui trouve quelques gimmicks accrocheurs, le titre parvient à séduire. Et l'on commence à se dire que le producteur californien a énormément densifié le son de MOPA.

La cinquième piste est une reprise. Ou plutôt, un standard. Il s'agit de Where Did You Sleep Last Night?, déjà évoquée dans ces colonnes. Le texte original, sombre et inquiétant, se prête à merveille à la version de MOPA. C'est une réussite.

On ne s'y attendait pas, mais I am an island, tirée du premier E.P., se refait une belle jeunesse sur l'album. Mieux introduite, la chanson dégage une énergie sauvage dès les premiers instants. L'abus d'effets sonores sur la voix tend à rendre l'ensemble maniéré, mais la superproduction fait son office.

Le morceau éponyme, Amen, est bien conçu. Il évite les longueurs et dispense quelques lignes bien accrocheuses. On regrette toutefois que des métaphores un peu pauvres éclatent à la faveur de refrains par ailleurs réussis.

Voilà un autre revenant, Kill Me Twice. Osons la comparaison automobile : ce morceau -comme les autres déjà présents sur l'E.P.- semble être passé entre les mains de quelque préparateur tuning. Il est étrange d'entendre tous les ajouts de Ross Robinson, mais il faut tout de même reconnaître que Kill Me Twice fonctionne très bien.

Page Of A Dictionnary, en revanche, ne sort pas grandi de l'atelier du sorcier de l'Indigo Ranch. On croirait entendre un remix chaotique, dépossédé de la simplicité directe qui faisait de ce titre l'un des meilleurs de l'E.P. C'est le premier morceau véritablement raté de ce disque.

L'on approche de la fin avec Just like you and I, qui utilise la formule déjà usée sur Kill My Twice. Les mélodies sont jolies dans un genre mélancolique, un peu archétypales et la progression, assez linéaire, n'est pas tout à fait convaincante. Tout cela est très grave, très triste et l'on souffre à foison. Saluons tout de même Yohan, toujours extrêment nerveux derrière les fûts.

Ode To Silence commence comme une mauvaise blague, avec quelques secondes de silence. Il se passe des choses intéressantes au piano. Tristan ose la dissonance et s'éloigne de la joliesse facilement émouvante. Au premier abord, le titre dérange, mais il y a bien là quelque chose d'intéressant. On y voit un signe d'espoir pour l'avenir de MOPA, groupe au concept génial mais qui pourrait sombrer facilement dans la routine de sa formule. Sûr, en tout cas, que l'on reviendra écouter Amen.

My Own Private Alaska - Amen
2010 - I Am Recordings

Le retour.

2010-03-06T00:15:00.004+01:00

Il y a bien des choses dont j'aurais envie de parler, en ce moment, à commencer par l'album live de Meshuggah où l'on découvre, sans surprise, un groupe tonitruant techniquement mais dont le DVD révèle aussi des aspects plus humains, voire sympathiques. Tomas Haake, le batteur, est presque touchant lorsqu'il concède qu'il n'est pas "une machine" et que les concerts ne peuvent pas être parfaits tous les soirs. Mais je m'égare.

Ce qui me ramène dans ces colonnes, c'est l'apparition d'un nouveau morceau de Deftones, qui annonce Diamond Eyes, un album prévu pour le 18 mai prochain. Rocket Skates, c'est le nom du morceau, était toujours téléchargeable gratuitement vendredi soir 5 mars sur deftones.com. Le groupe de Sacramento fait donc son retour, quatre ans après un Saturday Night Wrist réussi, mais surtout après le drame qui a frappé le bassiste, Chi Cheng, toujours plongé dans le coma depuis un accident en novembre 2008.

On n'attendait pas un album maintenant, tant Deftones est apparu occupé par des concerts caritatifs visant à aider la famille de Chi. On ne sait quoi espérer de ce disque enregistré finalement assez vite -un autre album, commencé avec le malheureux bassiste originel, a été mis de côté. Rocket Skates ne renseigne pas beaucoup, puisqu'il s'agit d'un morceau classique, proche de la rage de l'époque Around The Fur (1997), avec une production moins brute et peut-être moins séduisante que celle de Terry Date, coupable de tout ce que le son de Deftones a eu de grand. Certes, Stephen Carpenter semble se rapprocher un peu plus de ses icônes suédoises de Meshuggah, en balançant des riffs de cinq tonnes dont l'achitecture se dévergonde en douceur. Le chant de Chino Moreno est dans la veine qu'on lui connaît : sous assistance et probablement inconcevable en live.

Ce Rocket Skates ne dit rien de neuf sur la musique des Américains; espérons que le reste de l'album prendra plus de risques. Rappelons tout de même que les Deftones, contrairement à tous leurs camarades de la vague neo-metal de la fin des années 90, ont toujours su faire avancer leur musique, en évitant à chaque fois de sombrer dans le putassier. Il y a de fortes chances pour que Diamond Eyes rassemble quelques bijoux...

Playlist du moment, troisième.

2010-01-09T18:56:00.006+01:00

Redtape - Radioactivist (2003) : Voilà un groupe de punk moderne assez méconnu, pourtant signé chez le gros label metal Roadrunner. Jeff Jaworski, le chanteur, est une figure de la scène de Sacramento (une ville sainte du rock et du metal des années 1990, puisqu'elle a vu naître Deftones, Far et Will Haven). Ce disque puissant évoque les suédois de Refused sans renier totalement des sonorités plus californiennes. C'est souvent très efficace, sans être tout à fait original.

MGMT - Oracular Spectacular (2007) : Les tubes de ce disque m'ont empoisonné une bonne partie de l'année 2008 à force de récupération télévisuelle et publicitaire. Néanmoins, une fois le matraquage oublié, ces quelques morceaux (Time to pretend, par exemple) s'écoutent avec plaisir. Plus important : Oracular Spectacular est un album qui vaut mieux que la somme de ses "hits". Il y a là un hommage particulièrement réussi au rock d'antan, qui va chercher chez Bowie et chez les Pink Floyd pour offrir quelque chose d'intéressant, au delà de l'imbécilité du dogmatisme vintage.

Knut - Terraformer (2005) : Si l'on excepte sa politique fiscale et quelques errements référendaires, la Suisse est un très beau pays. Nos voisins ont donné à la musique extrême quelques-uns de ses fleurons, parmi lesquels Knut, qui veut dire "fouet" en russe. Knut est brutal et technique, mais dans une esthétique qui doit plus au hardcore américain qu'au metal nordique. Le son est lourd, mais la rythmique, imprimée par le génial batteur Roderic, est complexe. Il faut souvent s'accrocher pour secouer la tête en rythme. Un groupe peu accessible mais incontournable pour les amateurs du genre.

Mindless Self Indulgence - Frankenstein Girls Will Seem Strangely Sexy (1999) : Une superbe collection de petites névroses dansantes et provocatrices. Mindless Self Indulgence abuse de machines sous une couche de riffs de guitare basiques. L'accumulation est épuisante, mais il y a chez ces Américains quelque chose de vraiment revigorant. Le chanteur de cette formation décadente, Jimmy Urine, tient son rôle à merveille. Le jeune homme n'a peur de rien et s'autorise ce vers blasphématoire: "I hate Jimmy Page, kick those faggots off the stage" On applaudit, tout en dodelinant d'indignation.

Pour se faire une idée, le clip de Shut Me Up, un morceau qui figure sur un album ultérieur de Mindless Self Indulgence :

L'Arlésienne.

2009-12-05T22:05:00.011+01:00

Massive Attack - 100th Window
2003 - Virgin

Aujourd'hui, votre serviteur s'est enfin offert 100th Window de Massive Attack. Il y a des disques comme ça, dont on se demande si on finira par les acheter un jour. Voilà plus de six ans que j'aime cet album, six ans que je repousse son achat. Ca a été le coup de foudre à la première écoute, ce que les chroniqueurs musicaux tendent à nommer "la baffe". Il a squatté mon premier iPod pendant des années, il a bercé mes trajets au lycée, puis à la fac. Il a tout accompagné : des orages comme des accalmies, des matinées, des soirées, des hauts et des bas. Je crois que je le connaissais trop bien pour franchir le pas : si je l'achetais, je n'aurais aucune surprise. Pourtant, à mes yeux, il s'agit du meilleur Massive Attack. J'imagine bien que certains jugeront cette affirmation scandaleuse, préférant le son plus nettement trip-hop d'un Mezzanine. Il est vrai que 100th Window a l'air à part dans la discographie du groupe. La sortie prochaine d'Heligoland, le prochain album, dira si Massive Attack est retourné au son de ses débuts. Avec 100th Window, le propos est plus éthéré et moins sensuel que sur les précédents opus.

Il y a aussi sur cet album un parfum de dub indéniable, des airs de post-rock et des beats implaccables. La rencontre sonore est plus subtile que les étiquettes : la production est si soignée qu'elle ne choquerait probablement pas un amateur de rock, peut-être plus attaché à des sonorités proches des vrais instruments. Pour autant, les bricolages électroniques sont omniprésents, toujours en finesse. Massive Attack a composé là une bande-son de la modernité, qui colle à l'air du temps sans pour autant courir le risque de devenir ringarde. Les archétypes du trip-hop sont camouflés, c'est sans doute ce qui peut décevoir, mais cela rend 100th Window "musicalement œcuménique". Ce disque magnifique ne coûte pas grand chose : on le trouve à 10€ en "coffret" avec Protection, un autre album de Massive Attack. Je me demande bien pourquoi j'ai attendu tout ce temps.

Massive Attack - Special Cases

A la mesure d'un océan.

2009-11-21T22:16:00.007+01:00

Oceansize était au Nouveau Casino, à Paris, hier soir. Depuis des années, je rêvais de voir ces Britanniques à l'œuvre sur scène. Chacun de leurs albums depuis le merveilleux Effloresce, en 2003, a confirmé leur talent. Auréolés du statut de groupe culte, les cinq de Manchester étaient attendus au tournant par une salle remplie de connaisseurs.

Oceansize a été exactement comme prévu : excellents musiciens, qui donnent sans réserve et sans place pour l'approximation. Les trois guitares -parfois quatre- font des merveilles, avec le support d'une section rythmique impeccable. Le batteur est exceptionnel, le bassiste est à la source de toute la prodigieuse puissance que développent certains morceaux. Mike Vennart, au chant, est également parfait. On se demande parfois comment il parvient à jouer ses parties de guitare tout en assurant des lignes de chant qui semblent vivre leur propre vie.

Mais résumer ce concert à ses caractéristiques les plus objectives serait une trahison : Oceansize a un don pour transmettre des émotions complexes et par-là, une esthétique soignée, qui évite la plupart du temps les stéréotypes. Surtout, Oceansize est prolifique et développe quantité d'ambiances différentes. Les nouveaux titres joués ce soir-là ont d'ailleurs prouvé, une fois de plus, la liberté absolue du groupe, qui ne s'interdit ni les incartades agressives qui tendent franchement vers le metal, ni les atmosphères les plus éthérées -qui pourraient très bien, comme autrefois le morceau Music For A Nurse, illustrer une publicité pour un opérateur téléphonique.

Oceansize a été tout simplement brillant, d'un niveau que peu de groupes actuels atteignent. On recommande vivement à ceux qui ne connaîtraient pas encore de jeter une oreille.

Pour découvrir:
-La fameuse réclame pour un opérateur téléphonique français au nom d'agrume:

-Une vidéo du titre The Frame, tiré de l'album Frames, sorti en 2007:

Playlist du moment, deuxième.

2009-11-17T17:04:00.004+01:00

Envy - A Dead Sinking Story (2003) : Cela faisait des mois que je n'avais pas écouté ce disque. C'est pourtant un de mes albums favoris. Envy n'a jamais été aussi bon qu'à cette époque-là, avant de sombrer dans des choses molles et passives. Ici, le groupe japonais livre toute son énergie et tout son talent de composition. C'est émotionnellement violent, entre la colère et le désespoir; bien sûr, cela ne s'écoute pas entre deux bières à l'apéro. A Dead Sinking Story est une expérience personnelle, qui met l'auditeur face à ce qui le remue le plus.

AaRON - Artificial Animals Riding On Neverland (2006) : Pas exactement un disque joyeux non plus, ce premier album éponyme fait aussi dans l'émotionnel. C'est parfois un peu trop pour qui n'a pas besoin d'étancher sa dépression, mais c'est toujours subtilement réalisé. Et il y a quelques chansons profondément belles, comme Le Tunnel d'Or.

Botch - We Are The Romans (1999) : Un chef d'oeuvre du hardcore moderne, tous les amateurs du genre en conviennent. On n'ira pas, comme certains, jusqu'à prétendre que rien de bon n'a été fait après ce disque. Mais We Are The Romans est un disque à la violence subtile et au propos intelligent. Entre les moments héroïques (C. Thomas Howell as the "Soul Man", To Our friends in the Great White North...), il y a le talent indéniable de David Knudson, guitariste au jeu difficilement imitable qui a, depuis la fin de Botch, développé son talent pour la pop avec les très recommendables Minus The Bear.

Nostromo - Hysteron - Proteron (2004) : Le groupe de grindcore suisse se met à l'acoustique. Ca aurait pû être une farce, quelque chose du genre de la "campfire version" de Futile Bread Machine de Meshuggah. En fait, ce disque conduit la musique extrême dans des territoires inconnus. C'est splendide -on pourrait presque le faire écouter à maman pour lui montrer que les métalleux sont de vrais musiciens, mais l'intensité est là, intacte. On se demande même si Nostromo avait vraiment besoin de guitares électriques et de saturation. C'est sans doute le seul album de ce genre qui soit accessible à tout le monde. Si vous ne connaissez pas, ne le ratez pas.

Le vinyle explose, en silence.

2009-11-13T10:33:00.006+01:00

On pourrait en faire des quantités de mauvais titres : le vinyle a le vent en poupe, le retour du vinyle, le vinyle tourne encore... Peu importe la façon de le dire, le marché du vinyle explose. 115 660 exemplaires vendus en 2007, 172 120 en 2008, 232 537 pour les seuls neufs premiers mois de 2009. La croissance est extraordinaire, alors même que le marché de la musique plonge de plusieurs millions d'unités chaque année. Et pourtant, lorsqu'on appelle le Syndicat national des éditeurs phonographiques (Snep), qui représente avant tout les majors, difficile de trouver un interlocuteur disposé à parler de ce marché. "On ne se penche pas trop sur le vinyle, 200 000 ventes sur un marché de 50 millions, c'est rien", m'a-t-on dit. Effectivement, sous cet angle, le vinyle est au plus une anomalie statistique. Une virgule qui déconne. Mais les chiffres du Snep, aussi précis soient-ils, négligent totalement le marché indépendant, qui n'a jamais vraiment abandonné le vinyle et qui compte encore des poignées de fidèles disposés à produire, vendre et acheter dans ce format obsolète.

Dans le cadre d'un reportage d'école avec un camarade féru lui aussi de musique indépendante, nous avons rencontré Fabien, batteur de Do You Compute, un groupe parisien qui ne trahit pas dans sa musique la référence à Drive Like Jehu. Et nous avons aussi discuté avec Théo et Bernard, qui ont ouvert il y a un peu plus d'un an la boutique Souffle Continu, dans le 11ème arrondissement de Paris. Chez eux, le vinyle représente à peu près 30% des ventes et les affaires se portent plutôt bien.

A voir, à écouter :
Do You Compute sur MySpace
Souffle Continu, 20-22 rue Gerbier 75011 Paris - Métro Voltaire ou Philippe Auguste
Rejuvenation Records pour trouver And we are the winners... en vinyle et en CD.

Playlist du moment.

2009-10-28T12:25:00.009+01:00

Je n'ai pas toujours le temps d'écrire de véritables chroniques et, surtout, je doute fortement que le lecteur ait le temps ou l'envie de se coltiner tout ça à chaque fois. Voici donc, un peu en vrac, quelques considérations sur ce qui occupe mes oreilles en ce moment.

ATK - Heptagone (1998) : D'après mes sources en matière de hip-hop, c'est un des classiques du rap français. Je serais bien en peine de porter un pareil jugement, vu ma connaissance sporadique du milieu. Aux oreilles d'un néophyte, Heptagone est un disque bien produit, dont les instrumentations n'ont pour la plupart pas trop vieilli et aux textes souvent bien envoyés.

Meshuggah - Destroy Erase Improve (1995) : Le deuxième album de ces suédois qui ont réinventé le metal. Le groupe se lance ici pleinement dans son approche rythmique empruntée au jazz, tandis que les guitares témoignent déjà d'une lourdeur sonore rarement atteinte. Destroy Erase Improve est toutefois largement plus accessible que ses successeurs et s'autorise des mélodies qui tendent vers l'hymne. Ainsi, le sublime Future Breed Machine.

Psykup - L'Ombre et la Proie (2005) : Des Toulousains chers à mon coeur, qui revenaient avec ce disque montrer que leur premier effort n'était pas un coup dans l'eau. On est loin, ici, de la fantaisie et de l'espoir revendiqué à grands coups de riffs improbables sur Le Temps de la réflexion. L'Ombre et la Proie est un album sombre et désabusé. L'humain est toujours au centre, mais il est question de corruption et de déliquescence plutôt que d'amour. Pour preuve, ce disque captivant se termine par cette injonction : "Don't trust me, we all lie. Don't kiss me, we're all pretty with the lights."

Et pour étayer mon propos, le titre Love is dead, en live :

A poing nommé.

2009-10-15T16:34:00.008+02:00

Expérience - nous (en) sommes encore là

2008 - Boxson

Michel Cloup a une drôle de voix, un drôle de débit et des intonations qui se rapprochent du chant sans jamais en être vraiment. Ce qu'il fait n'est pas non plus du hiphop, ni vraiment du spoken words. C'est fataliste, déprimé même parfois. Il y a pourtant de l'énergie, presque de l'espoir par moment. Surtout, il y a, sous les mots, du rock, puissant comme du Shellac, urbain, à vif. Sur leur dernier album nous (en) sommes encore là, les Toulousains d'Expérience semblent plus que jamais survivants d'une certaine façon de faire le rock dans les années 90. La question que se pose Michel Cloup dès le premier titre s'applique bien à cette musique : "Qui a encore envie d'entendre ça ?"

Il n'y a rien de confortable chez Expérience, rien de gratuitement joli. Le pathos n'est pas absent, mais les mélodies sont ici douloureuses plutôt que douillettes. Tout cela est d'une gravité et d'un sérieux parfois glaçants. Pas de respiration dans l'énumération-constat : l'époque est pourrie, il ne reste que des symboles, "pour la beauté du geste". Alors, pourquoi écouter ce prêche désabusé, pourquoi s'infliger cette grisaille qui confine parfois au stéréotype ?

D'abord parce que l'esthétique, en particulier sur ce nouveau disque, est cohérente et personnelle. Expérience se livre un peu plus aux guitares et y gagne une intensité qui restait ponctuelle sur les albums précédents. Entendre ça, Une larme dans un verre d'eau, Il y a toujours une lumière sont autant d'hymnes qui rendent l'album passionnant.
Ensuite, parce que ce Michel Cloup, qui ne veut rien lâcher et qui, pourtant, ne se fait pas d'illusions; ce type est touchant. Mieux : il remue quelque chose. Quand il joue avec un cliché en clamant "il y a toujours une lumière au bout du tunnel", quand il se concentre sur "les aspects positifs des jeunes énergies négatives", Michel Cloup s'adresse à celles et ceux qui ne sont pas convaincus par le consensus de la foule. C'est parfois convenu comme un poing levé dans une manifestation, mais ça paraît toujours sincère.

Expérience - Une larme dans un verre d'eau

Hors du temps.

2009-08-13T01:03:00.013+02:00

Neurosis - A Sun That Never Sets
2001 - Relapse Records

Il semble parfois que l'on puisse séparer les musiciens en deux catégories : ceux qui maîtrisent l'empathie et ceux qui vous font voyager. Neurosis appartient indubitablement à la seconde. Chez ces américains qui ont fait leurs débuts il y a plus de vingt ans avec un punk/hardcore sauvage, la beauté ne dérive pas d'une convention. L'émotion n'est pas ici la monnaie d'échange entre l'artiste et l'auditeur. Neurosis ne joue pas pour les enfants du XXIe siècle. Neurosis, pourtant un simple groupe de rock porté sur les guitares et sans doute parent artistique lointain de Black Sabbath, est hors du temps.

Sur l'album A Sun That Never Sets, les débuts agités du groupe sont très distants. Neurosis y développe une folk majestueuse, alourdie par une section rythmique comme on n'en entend peu. Neurosis est un groupe sans haines, où la force et la puissance n'existent jamais contre quelque chose. Les thématiques introspectives et les évocations de la nature ont quelque chose d'infiniment serein et d'irrémédiable, qui rend futile toute démarche ancrée dans le présent. A Sun That Never Sets ne se rebelle pas, il offre un regard sur une Histoire. Il y a quelque chose de la chanson de geste dans cette musique tournée vers le passé.

Mais attention, Neurosis ne se complaît dans aucune sonorité nostagique. Tout ce qui est entendu ici va au delà du sentiment et ne conduit qu'à une conclusion simple : la beauté sombre de la vie, quels qu'en soient les méandres. Dans ses rythmes lancinants et sa sobriété mélodique parfaitement arrangée, cet album est un véritable voyage. Il ne propose aucune compassion, mais il invite à se tourner vers un monde où elle n'a aucune importance.

Neurosis - From The Hill

La fin du commencement.

2009-07-10T17:17:00.008+02:00

Naïve - The End
2009 - Autoproduction

Il en aura fallu des années avant que ce premier album de Naïve ne voie le jour. Projet fantôme dont le nom hantait quelques-unes des interviews que Jouch, guitariste-chanteur, donnait pour son autre groupe, Agora Fidelio, Naïve est longtemps resté un concept, appuyé par quelques ébauches prometteuses. Un bassiste – Rico - est arrivé et les ambitions se sont concrétisées, peu à peu, jusqu'à ce premier album, curieusement intitulé The End.

Naïve se veut au croisement de genres qui ne cohabitent pas si fréquemment que cela. Une vision de l'electro bercée par Boards Of Canada ou Massive Attack rencontre un metal simple et direct, fortement inspiré de Deftones. Il en découle que Naïve sonne quelque peu à revers de la mode, bien plus favorable aux sonorités vintage, aux influences en « The ». Avec ses gros riffs directs, Naïve rappelle plus les bons moments de Mass Hysteria que la nouvelle scène et ses hommages incessants à des légendes séniles.

Qu'on ne s'y trompe pas, Naïve n'est pas un énième ersatz français des réussites neo-metal américaines. Contrairement à Mass Hysteria, qui s'est peu à peu privé de sa liberté, Naïve ne s'interdit rien, en particulier en matière de structures. Le morceau le plus court dure à peine moins de sept minutes, preuve que ces toulousains savent prendre leur temps – une qualité très rare. Qu'on réussisse à s'y plonger ou pas, il faut avouer que Naïve, parvient à développer sur The End un univers musical cohérent, où se mêlent sans incongruité des extrêmes musicaux. Le lien est assuré, surtout, par la voix de Jouch, typée mais à sa place. Illustration de cette symbiose, le très bon To lose and to die for, dont la subtile introduction débouche sur des accords bruts que le Deftones d'Adrenaline n'aurait pas renié.

Bien sûr, tout cela ne va pas sans défauts: tel riff paraît un peu grossier, tel rythmique manque d'originalité. Après 58 minutes, pourtant, on n'a pas l'impression de s'être ennuyé. Le mixage est vraiment réussi pour un disque « fait à la maison » et la pertinence des grandes séquences atmosphériques rarement démentie. A cet égard, The End est une pure merveille, tout comme la fabuleuse dernière moitié d'Underwater.

Naïve a réussi sa première oeuvre : il faut espérer que, contrairement à l'usage, ces musiciens-là ne s'en satisferont pas.

Naïve - To lose and to die for live @ Le Bikini

Découverte : Phantom Status

2009-06-23T17:10:00.004+02:00

Il y a eu le rock joliment dépressif d'Agora Fidelio, le metal atmosphérique de Naïve et quelques autres aventures sur des disques de copains. Aujourd'hui, Jouch, guitariste toulousain, se lance en solo. Cela s'appelle Phantom Status et à vrai dire, on ne sait pas vraiment ce qu'il a voulu mettre derrière ce nom. Ce que l'on entend avec l'unique titre disponible sur MySpace, c'est une synthèse réussie faite par quelqu'un qui a aimé Boards Of Canada, Massive Attack et M83. Un album est prévu pour l'automne 2009.

Découverte : Zero Absolu

2009-06-19T16:31:00.008+02:00

Zero Absolu est l'oeuvre d'un seul homme, Nak. Ce rock mélancolique teinté d'electro est tout entier de son fait : la basse, la guitare, le chant, les percussions. Plus étonnant, Nak réussit à faire vivre cette formule d'homme-orchestre en concert, où il jongle entre les pédales de sampling et les instruments pour construire ses morceaux. Un double album intitulé Dans les bras de morphée devrait arriver en décembre 2009.

Presque.

2009-06-19T15:56:00.008+02:00

Idiot Pilot - Wolves
2007 - Reprise Records

Avec son premier album Strange We Should Meet Here, le duo américain Idiot Pilot balançait entre des éclairs de génie et des sonorités putassières. Pour Wolves, il semble que la seconde caractéristique l'ait emporté. Co-produit par le gourou neo-metal Ross Robinson et Mark Hoppus, ex-bassiste de Blink-182, Wolves voit de surcroît sa troisième piste, Retina And The Sky, figurer sur la bande originale de ce chef d'oeuvre inoubliable qu'est le film Transformers.

Pourtant, la formule n'a pas foncièrement changé : Idiot Pilot opère toujours une fusion bienvenue entre une agressivité metal, voire hardcore et des arrangements ou des rythmiques électroniques. Mais les aspérités touchantes que l'on aimait sur le premier opus sont ici presque réprimées. Les compositions favorisent une esthétique dépourvue de surprises, tout à fait dans la lignée de ce que fait le rock américain depuis des années.

S'il est décevant qu'Idiot Pilot se soit laissé devenir un groupe comme beaucoup d'autres, il faut néanmoins reconnaître quelques vertus à ce Wolves. Notamment, la production y est plus qu'honorable. La voix de Michael Harris est très bien mise en valeur, au point qu'on la remarque avant la richesse des instrumentations et l'homogénéité du son obtenue par Ross Robinson.

Tout, sur Wolves, tient du joli, du presque beau et s'écoute donc sans mal. Plus rarement, on se passionne, on est happé par la musique. C'est le cas lorsque le deuxième larron, le multi-instrumentiste Daniel Anderson, s'empare du micro et lâche quelques cris qui rajoutent un peu de Converge dans une soupe emotionnelle au goût agréable mais un peu fade. Planted In The Dark fait ainsi des ravages de puissance; Good Luck s'offre un premier riff tonitruant. Dans ces moments-là, le duo trouve sa pertinence.

Il en faudrait peu à Idiot Pilot pour aller titiller de très grands groupes, tels les anglais d'Oceansize. En attendant, tout cela est « sympa ». Ni plus, ni moins.

Idiot Pilot - Planted In The Dark

In The Pines/Where Did You Sleep Last Night, histoire d'une vieille rengaine.

2009-06-10T16:48:00.014+02:00

Quand on a 23 ans, comme l'auteur de ces lignes, il est difficile de ne pas assimiler la chanson Where Did You Sleep Last Night à Nirvana. Lors de son mythique passage à l'émission MTV Unplugged en 1993, Kurt Cobain l'interpréta de façon mémorable : de cette balade qui commençait dans la résignation, le leader de Nirvana fait un hymne, à force de déchirants « My girl, my girl, don't lie to me. Tell me where did you sleep last night ». L'auditeur est glacé, conquis.

Pourtant, l'histoire de cette chanson ne s'arrête ni ne commence avec Nirvana. Vieux standard folk que l'on retrouve aussi sous le titre In The Pines ou Black Girl, Where Did You Sleep Last Night serait apparue à la fin du XIXème siècle et a connu de nombreuses variantes.

La plus connue est celle du guitariste folk Lead Belly, dont il a enregistré plusieurs versions entre 1944 et 1948. C'est à celle-ci que se réfère Nirvana. Mais avant cela, Bill Monroe et ses Bluegrass Boys ont repris l'inusable mélodie en 1941 et 1952. Plus tard, Bob Dylan reprendra la chanson lors de certains concerts, par exemple en 1961 (un bootleg est trouvable sur le net), Joan Baez fera de même et Grateful Dead la massacrera éhontément, par exemple lors de ce concert en 1966.

Plus surprenant, avant Nirvana, c'est Mark Lanegan, ex-Screaming Trees et futur Queens Of The Stone Age, qui propose une intéressante version du morceau sur son album The Winding Sheet, paru en 1990. Foin de la guitare qui dominait les interprétations précédentes, ici c'est une basse imposante qui lance la fameuse mélodie. Détail remarquable : c'est Krist Novoselic qui tient la quatre-cordes, tandis que Kurt Cobain accompagne Lanegan à la guitare et au chant. Plus puissante, noyée dans une brume de guitare électrique, Where Did You Sleep Last Night prend ici une dimension nouvelle : déjà, les voix s'emportent vers la fin, à l'instar de ce que fera Nirvana trois ans après.

En 1994, Dolly Parton reprend aussi le standard, sous le titre In The Pines. Pour cette chanteuse country, le résultat est évidemment plus proche de la bluegrass de Bill Monroe que du grunge de Mark Lanegan. Il faut attendre 2007 pour que la chanteuse britannique Susheela Raman s'approprie la chanson, avec des arrangements dépouillés. C'est joli, mais cela passe un peu à côté de la gravité du morceau.

Enfin, dernière en date, la version du groupe toulousain My Own Private Alaska frappe beaucoup plus fort que ses devancières. Intitulée My Girl, cette interprétation reprend là où s'était arrêté Kurt Cobain, avec des armes différentes. Piano, batterie très en avant et chant écorché, My Own Private Alaska se veut hardcore et émouvant -emo, diront les railleurs spécialistes. On est plein dans le sentiment, peut-être jusqu'à la nausée. Reste que la thématique de la vieille antienne folk s'y prête plutôt bien.

M.O.P.A. - My Girl (live)
Uploaded by MYOWNPRIVATEALASKA.

Un jour pluvieux.

2009-06-08T20:38:00.006+02:00

Cat Power - The Greatest
2006 - Matador Records

Il y a des moments qui ressemblent à s'y méprendre à un clip. Une averse s'abat sur la ville, des néons publicitaires s'illuminent ça et là, les passants sont dissimulés par leurs parapluies, leurs démarches pressées parfont le tableau; The Greatest de Cat Power s'échappe des enceintes.

Ce disque, sorti il y a un peu plus de trois ans, n'est peut-être pas le meilleur de la chanteuse. En vérité, l'on préférait Moon Pix et sa franchise à cet opus qui s'égare parfois un peu dans un excès d'arrangements. The Greatest ne démérite pourtant pas : la production est vivante, chaleureuse, les musiciens habiles et les compositions astucieuses. On y perçoit, en Européen mal dépaysé, un air de l'Amérique rurale, mâtiné d'un spleen tout à fait moderne.

Le ton de The Greatest est un peu fataliste, pas franchement émouvant, mais réconfortant. Living Proof et ses cuivres subtils auraient presque quelque chose d'enjoué, si le rythme n'était pas aussi lancinant. Lived In Bars s'emballe un peu plus, mais la voix de Chan Marshall assure le succès de l'entreprise. Jamais l'album ne plonge dans le déchirant : cela peut le rendre insignifiant de prime abord, mais on finit par apprécier ce côté brumeux, indécis.

Dans son apparente neutralité, The Greatest réussit en fait à passer pour un album réaliste, une peinture juste de sentiments que chacun a déjà éprouvé une fois dans sa vie. Cela ne fait pas les chefs-d'oeuvre, mais c'est plaisant à écouter.

Découverte : A Backward Glance On A Travel Road

2009-06-07T17:12:00.003+02:00

Ce groupe est issu de l'excellente formation metal Hypno5e. Que ceux qui n'aiment pas le genre ne soient pas rebutés par cette parenté : A Backward Glance On A Travel Road n'est que guitares acoustiques et arrangements mélancoliques. Un premier album sortira en septembre 2009, pour l'heure, deux titres s'écoutent sur Myspace.

La synthèse noire.

2009-06-07T16:36:00.008+02:00

Cobalt - Gin
2009 - Profound Lore

Cobalt, c'est un peu la réalisation d'un fantasme pour bien des lecteurs de Noise : un groupe qui fait du metal sans avoir un son véritablement metal. Tous les finasseurs qui n'ont jamais pu sacquer Fear Factory parce que « la grosse caisse sonne comme un Tupperware » et « Burton C. Bell chante comme un Tupperware avec de l'écho »; tous ces gens pourraient trouver en Cobalt le salut du metal.

Ces deux américains se vantent de « frôler plusieurs genres sans appartenir vraiment à aucun d'entre eux », et ils ont bien raison. Il y a dans cette musique quelques références vaguement stoner, un vieux fond de blues perverti et alourdi. Surtout, il y a des structures et des plans typiquement metal, avec une production qui doit plus à Keelhaul qu'à Immortal.

Le plus important reste que l'on écoute Gin sans se poser ces questions de classification. Les riffs de guitare épiques sont à l'honneur, dominants par rapport à une voix qui ne sert que de texture. Côté section rythmique, la basse est discrète, elle n'existe que pour grossir les six-cordes. La batterie, en revanche, est captivante, compromis merveilleux entre la simplicité dévastatrice des lourdes frappes noise et la virtuosité du death-metal.

De manière assez inattendue, Cobalt réalise la fusion de genres qui ne se parlaient pas et le résultat est exactement à la hauteur du fantasme.

Leçon de vie.

2008-12-15T22:04:00.009+01:00

Isis + Guapo @ La Maroquinerie - Paris

091208

Il arrive parfois que l'ingratitude de la vie rattrape l'homme moderne, lui qui pourtant se bat à coup d'iPhone et de Twitter contre son ennemi mortel, l'ennui. Lorsqu'on est ainsi frappé par le vide, peu d'alternatives subsistent. La télévision française s'est déshonorée depuis bien longtemps, les jeux vidéos n'ont jamais égalé X-Wing Alliance et la littérature est confiée à des mecs comme Beigbeider. Alors, dans ses heures d'ennuis, l'homme moderne répond à des quizz ou encore, il fait des listes.
C'est ainsi que je fus amené à constituer la liste des groupes-que-je-dois-absolument-voir-en-concert. De cette liste, j'ai déjà pu rayer quelques noms prestigieux : Neurosis, Envy, Deftones, A Silver Mt. Zion... Les américains d'Isis, eux, figuraient en bonne place dans ce panthéon personnel anticipé.

Apprenant la venue du groupe à Paris, je souillai mon caleçon en signe d'approbation. C'est qu'Isis est sans doute un des groupes les plus importants de ces dernières années en matière de « metal » -j'insiste pour les guillemets. Marchant sur les traces de leurs pères spirituels et copains Neurosis, le groupe mené par Aaron Turner a accouché de plusieurs albums magnifiques, sans commettre de faute notable. Bien sûr, on pourrait reprocher à Isis le caractère inégal de son génie : certains morceaux peinent à soutenir la comparaison avec les « tubes » du groupe, tels que Carry, Grinning Mouths ou Holy Tears. Mais enfin, Isis est bien de ces formations pour lesquelles on imagine mal que le concert soit une épreuve difficile.

Ce 9 décembre à la Maroquinerie, la tête d'affiche américaine était soutenue par les anglais de Guapo. Le petit quart d'heure que j'ai aperçu de leur prestation m'a véritablement charmé. Guapo joue comme un groupe de jazz très en colère, avec un semblant d'émotion qui tient l'ensemble et l'envoie parfois très haut. De ce groupe, je ne connaissais qu'un Five Suns intriguant : ces quelques minutes de live m'ont donné envie d'en découvrir plus.

Et puis, après l'attente, Isis a débarqué, en lançant So Did We comme une charge de cavalerie. Je me suis alors rappelé d'un détail intéressant. Certes, Isis fait aujourd'hui largement dans un rock éthéré qui serait presque supportable à des oreilles novices tolérantes. Mais Isis vient du hardcore et quand ils envoient des riffs saturés, ils ne le font pas à moitié. So Did We, donc, attaque façon mur de guitares. Mais, joie, cela se calme aussi et avec grâce, s'il vous plaît.
Les nuances sont très bien rendues et l'on s'étonne de voir Isis maîtriser tout autant le registre presque intimiste que l'agressivité métallique débridée. De plus, le son est très bon, le clavier parfaitement intégré entre les deux guitares et la basse. Et le chant, plutôt correct, alors qu'on s'attendait à entendre Aaron Turner se liquéfier, tant sa voix paraît parfois à la limite sur les albums.

Ainsi, Isis est comme à la parade. Dans ces conditions, ils n'avaient qu'à jouer tranquillement leurs meilleurs morceaux pour faire de ce concert mon favori de cette année. And so did they. Les saligauds ont enchaîné absolument tous leurs très grands morceaux, dont ceux évoqués, auxquels il faut ajouter Dulcinea, The Beginning and the End ou encore In Fiction. C'était un concert puissant et émouvant, qui surpassa même un peu les attentes. Une vraie leçon.

Une tonne d'acier fleuri.

2008-10-23T23:59:00.006+02:00

Baroness - Red Album

2007 – Relapse Records

Ce Red Album a beau être sorti l'an passé, c'est cette année que je l'ai découvert. Avant de jeter une oreille au morceau Isak sous la contrainte avisée d'un ami, Baroness n'était pour moi qu'un nom de plus dans le brouhaha continuel du bouche-à-oreille. Sans avoir écouté la musique de ces américains, je l'avais stéréotypée : sans doute un truc mollement saturé, avec des guitares dégueulasses parce que, bon, quand on a l'âme noire comme Khanate, on est crasseux de l'ampli.

Erreur funeste. Baroness n'a rien en commun avec cette frange bruitisto-masturbatoire de la « hype underground » et c'est ce que je réalisai à l'écoute du titre déjà mentionné, Isak. Le son incroyablement lourd de la batterie et l'habileté de l'introduction captivent et conduisent à une série de riffs puissants, bientôt soutenus par des arabesques de guitares d'une virtuosité qui pourrait être repoussante. Mais voilà : les guitaristes de Baroness ne branlent pas du manche gratuitement. Dans chaque duel de six-cordes, il y a, en plus du simple talent technique, une vraie jouissance, un plaisir de jouer communicatif. A la basse, le groove est discret, un peu rude et primal . Rude, aussi, le chant, parfois légèrement mélodique, toujours arraché aux tripes. L'ensemble a une couleur sudiste prononcée, un petit parfum de ces clichés que l'on attache à la Virginie natale du groupe.

Il est rare sur ce disque que les artifices musicaux prennent le pas sur la raison esthétique et sur la narration qu'instaure Baroness. L'auditeur a parfois même l'impression que la musique est plus scénarisée que structurée. Ecoutez The Birthing, dont les hésitations premières -cette foison de cassures, de chutes et de retours- s'éclairent à la lumière d'un final hollywoodien, duquel on ne peut détourner son attention.
Il y a aussi la superbe introduction que constitue Rays On Pinion, morceau plein d'une fougue qui n'est pas si courante de ce côté-là du metal et du hardcore. On n'ira pas jusqu'à dire que la joie de vivre suinte de toutes parts sur cet album, mais il y a une nuance émotionnelle certaine, qui fait oublier les pesanteurs funèbres que des dizaines de groupes essayent de piquer à Neurosis.

Baroness a l'optimisme sans la niaiserie et la lourdeur sonique sans le mélodrame. C'est un mélange vraiment réussi, un disque sur lequel on reviendra souvent pour conjurer des soucis en levant le poing et en secouant la tête. Si.

On va monter un groupe de new wave et puis tu seras mienne.

2008-10-19T11:09:00.004+02:00

Nerf Herder - How To Meet Girls
2000 - Honest Don's Records

Comparons, si vous le voulez bien, How To Meet Girls de Nerf Herder et Lateralus de Tool.
Le premier ne dépasse pas la demi-heure, à force de chansons pop-punk extrêmement putassières dont Blink-182 n'aurait sans doute pas voulu, même à moitié prix. Le second est un album gigantesque, d'une complexité ténébreuse, où chaque morceau est une aventure passionnante. Le premier n'est probablement connu que d'une poignée de geeks, le second a mis à genoux une pelleté de musiciens.
Ainsi, l'arbitrage entre ces deux disques ne devrait pas prendre plus d'une seconde et Tool, par son intelligence manifeste, devrait triompher haut la main. Et pourtant, tout comme George W. Bush s'est fait brillament réélire en 2004 après un premier mandat objectivement catastrophique, c'est Nerf Herder qui fait l'objet de cette chronique.

Nerf Herder, version pervertie de Weezer, est un groupe à l'âme si profondément « nerd » que Joss Whedon le choisira pour interpréter le générique de Buffy contre les vampires. C'est dire.
Perverti musicalement, aussi, car Nerf Herder n'a aucune originalité, aucune virtuosité, aucun autre intérêt que des mélodies débiles qui restent assez bien en tête. Le chant, par dessus le marché, est assez mauvais : nasillard, chancelant, presque boutonneux, dirait-on ; c'est du Offspring en pire !
On ne trouvera pas dans le répertoire de Nerf Herder de chansons telles que le Tired Of Sex de Weezer : la problématique fondatrice du groupe est dans le titre de l'album, How To Meet Girls.

Pas de réponse en vue, pourtant, à l'aune des titres tonitruants qui peuplent ce disque. Lamer than lame fait figure d'hymne miraculeux, claviers douteux à l'appui. Même verdict pour Feeling bad, qui offre en prime un break d'un romantisme frelaté et cette phrase, qui résume à elle seule des années d'efforts désespérés pour ressembler à quelque idole rock'n roll : « Thought I look like Henri Rollins, but I still look like Phil Collins ».
On aime aussi Pantera Fans In Love, qui évoque une question que tout amateur de metal s'est un jour posée : « Making out in the middle of the pit... How come Slayer doesn't sing about this ? » On ne peut pas omettre le défaitisme enjoué de 5000 ways to die, alternative intéressante à l'esthétique morbide d'un Marilyn Manson, sur fond de sous-Green Day.

Bref, How To Meet Girls est une oeuvre monumentale. Une somme qui est à la vie adolescente mâle ce que l'Archipel du Goulag de Soljenitsyne fut au système concentrationnaire soviétique. Je n'exagère pas : si American Pie n'avait pas été une daube, How To Meet Girls aurait pu en être la bande originale. Vous voyez bien que Soljenitsyne n'est pas loin...

Histoire d'un album refoulé.

2008-10-15T00:38:00.006+02:00

Coldplay - Parachutes

2000 - Emi

Grandir, c'est bien. On conduit des voitures, on boit de l'alcool et on fait des blagues racistes. Et parfois, on abandonne certains préjugés qu'une jeunesse indécise avait fait naître. Prenez votre serviteur à 15 ans, alors que le Parachutes de Coldplay connaissait un succès retentissant. Luttant avec bravoure contre mon acnée, j'avais décidé que le monde ne me comprenait pas et qu'à ma singularité, il fallait une bande originale à l'avenant ; ce fut ma période neo-metal. Abruti sans doute par le fracas des guitares à sept-cordes, je réservais à des groupes tels que Coldplay un mépris solide, m'accordant tout juste quelques écoutes honteuses du single Trouble. Il n'était pas question d'acheter l'album dont il était issu, c'eût été trahir ma foi en la virilité véritable de groupes tels qu'Adema ou P.O.D. Quelques années plus tard, pourtant, je finis par m'offrir Parachutes.

Mon sentiment de culpabilité s'évapora bien vite, pour l'imparable motif que cet album est très bien produit, très habilement composé et immédiatement plaisant à écouter. Parachutes est un « joli » disque, qui s'accomode de beaucoup de clichés esthétiques agréables. Il y a de la buée sur les vitres et des réveils le dimanche matin (Don't Panic), un peu de rugosité urbaine (Shiver, Yellow), des petites choses intimistes (Parachutes, We Never Change). Et bien sûr, Trouble, apothéose tranquillement dépressive, arrangée avec génie -la guitare s'efface, mais sans elle, il n'y a rien. Tout cela fait de Parachutes un sympathique « Radiohead pour les nuls », que l'on écoute toujours avec plaisir.

J'aimerais bien conclure cette chronique ici, afin de laisser au lecteur le sentiment que, tout de même, je suis au dessus de ce groupe dont le chanteur est probablement encore moins punk que Gérald de Palmas. Pourtant, je dois confesser que Parachutes prend de l'ampleur dans certaines conditions.
En effet, écoutant pour la première fois cet album au casque ce soir, j'ai été gratifié d'une heureuse surprise. Sur mes enceintes, Coldplay semble faire preuve d'une retenue un peu précieuse, qu'on qualifierait d'élégance si ça ne se transformait pas parfois en sérieux manque de burnes.
Mais au casque ! Point de retenue, tout est équilibre et subtilité. Les guitares prennent vie, la batterie revient d'entre les morts et tout s'anime dans une féérie inédite. Et alors, on ne voit plus de raisons de retenir ses louanges.

Les gauchistes ont toujours (un peu) raison.

2008-10-08T23:19:00.002+02:00

Rage Against The Machine – s/t

1992 – Epic

C'est la crise ! Les traders déchus évacuent les gratte-ciels avec leurs effets personnels dans des cartons qu'ils portent sous le bras, les types dans les salles de marchés sont photographiés se prenant la tête entre les mains. Le Dow Jones livide et le NASDAQ mou, tous s'en vont vers la déprime. Dans cette gueule de bois généralisée, un petit retour aux fondamentaux ne peut pas nuire. Prenons l'éponyme de Rage Against The Machine, par exemple.
Ce premier disque, d'une énergie et d'une force si rares que seize ans après, il ne s'est pas usé; ce premier disque exprime à la perfection la colère impuissante qui saisit « l'homme du commun » face à ceux qui, en haut, ont déconné un peu plus que d'habitude.

Démagogique, cet album l'est sans doute autant que mon propos introductif. Et on ne peut s'empêcher de considérer avec un soupçon d'ironie un groupe qui appelle avec tant d'intensité à la révolte et qui s'est retrouvé par la suite immergé dans le music-business. C'est sûr, Rage Against The Machine n'est pas exempt de critiques. C'est que la politique s'accomode mal de la saturation des guitares. Et il n'y a guère de subtilités rhétoriques dans les frappes de Brad Wilk sur sa caisse claire.

Mais Rage Against The Machine, tout enclin aux discours politiques, reste un groupe d'émotions. Ce premier album est une énorme et bruyante catharsis, ni plus ni moins que le seraient les éructations post-coïtales de tout chanteur de groupe emochose (cf. Poison The Well, plus bas). Sauf qu'en fait de se venger de Jeanine-celle-qui-est-partie, c'est à Alan Greenspan que l'on balance des crochets du droit en rythme.

Ces réflexions masturbatoires sur les qualités d'exutoire social de cet album pèsent cependant bien peu face au monument musical qu'il représente. Tom Morello, le guitariste, est un vrai génie. Si la retenue ne me gardait des formules à l'emporte pièce, je dirais même que ce garçon est le seul qui puisse prétendre au titre de digne héritier de Jimmy Page. L'illustre anglais était aussi un créatif, capable de cette même élégante concision qui fait les hymnes comme Whole Lotta Love et Bullet In The Head.

Et les petits camarades du guitariste ne déméritent pas, servis par une production vraiment parfaite. Timmy Commerford à la basse a cette virtuosité discrète qui n'émerge qu'avec parcimonie. Ecoutez donc le groove de Take The Power Back : il n'y a rien d'exubérant, mais c'est brillant, implacable. Rien de clinquant non plus à la batterie, dont le son impeccable est une leçon.
Et puis au chant, Zack De La Rocha. Un garçon devant qui je n'aimerais pas essayer de défendre les bienfaits de l'économie de marché. Mais ce prêcheur fait des merveilles, avec son accent rugueux et nasillard, immédiatement identifiable.

À mes yeux, cet album de Rage Against The Machine est des rares qui n'usurpent pas une seule seconde leur statut de disque mythique. Et seize ans après sa sortie, il est toujours une bande son adaptée aux vicissitudes de l'époque.

Un chrétien vaut mieux que deux tu l'auras.

2008-10-04T23:54:00.003+02:00

Norma Jean – Redeemer

2006 – Solid State Records

«May this record somehow be worship to Christ and a light to the world. »

Voilà ce qu'on appelle plomber l'ambiance. Quand on parcourt les « crédits » du Redeemer de Norma Jean, on tombe sur cette phrase, au milieu des usuels « merci papa, merci maman, merci le magasin de guitares ». C'est que Norma Jean est de ces groupes qui se revendiquent si ouvertement chrétiens qu'ils sont la plupart du temps signés sur des labels dits, eux aussi, chrétiens. Pour un Français élevé à la laïcité et imbibé d'athéisme sûr de lui-même, la pillule est un peu grosse à avaler.
Si j'écoutais mon héritage culturel, je fustigerais donc sans complexes ce groupe de dévots qui font des spéciales dédicasses à l'Être Suprême sur leur disque de hardcore chaotique. Le problème est que Norma Jean joue plus fort que mon héritage culturel.

Redeemer fait partie de cette grosse dizaine de disques qui, lorsque je les écoute dans la rue, me donnent la sensation puérile d'évoluer dans un clip assez violent où, le cheveu fier battant au vent, j'ai le premier rôle. Et quand le réalisateur de cette superproduction s'appelle Ross Robinson (KoRn, Slipknot, Glassjaw...), cela donne un disque d'une sincérité et d'une hargne inhabituelles, dont on peut difficilement contester l'efficacité.
Alors acculé à la transaction avec les chrétiens, on en vient à se pencher sur les textes de cet album, histoire de vérifier ce qu'ont à dire ces gens dont on apprécie tant la rigoureuse esthétique du saccage sonore. Et là encore, stupeur : ces branleurs à rimmel ont une façon de mettre le chant au service des mots si habile que certaines lignes deviennent instantanément des slogans dont, sisi-c'est-évident, le sens colle parfaitement à ce truc qu'on a vécu. Tout comme une voyante, les textes de Norma Jean restent toujours assez vagues pour qu'on puisse s'identifier à quelques fragments de ce qui est asséné.
Par ailleurs, le père Robinson n'est pas pour rien dans la réussite vocale indéniable de Cory Putman. Connu pour pousser les chanteurs dans leurs retranchements, le premier a certainement demandé au second de s'arracher les tripes. Résultat, quand on écoute Songs Sound Much Sadder, on en convient volontiers : « Our hopes and dreams, our worst nightmares / Our worst nightmares have now come true ». On ne sait pas de quoi ce brave Cory parle, mais les guitares disent qu'il a raison, c'est évident.

Ce disque est beaucoup trop bien fait pour qu'on l'ignore au nom de quelque « principe de précaution » antireligieux. Et quitte à trouver ces garçons détestables, autant que ce soit après avoir entendu ce qu'ils ont à dire.

Certes. Si dans une semaine j'apprends qu'ils adorent Sarah Palin et qu'ils pensent que la Terre a 4000 ans, je réviserais ma façon de communiquer publiquement sur ce groupe.

Un peu d'adolescence ne fait jamais de mal.

2008-10-03T23:40:00.002+02:00

Poison The Well – The Opposite Of December... A Season Of Separation

1999 – Trustkill Records

Pourquoi diable vous infliger cet album en guise d'inauguration de ce blog ? Après tout, si j'étais totalement fidèle à la ligne éditoriale que je me suis fixé, tout ne serait ici qu'élitisme feutré et name-dropping.

Certes, il n'est pas garanti que le lecteur soit tout à fait familier avec les américains de Poison The Well, ni avec ce qui peut leur retirer le prestigieux épithète « élitiste ». Disons-le sans détours : ce groupe ne fait pas vraiment dans le feutré. The Opposite Of December, c'est un hardcore moderne exécuté au millimètre par des post-adolescents qui n'ont pas digéré quelques épisodes douloureux de leurs jeunes vies. Une belle périphrase pour parler d'emo pour boutonneux, me direz-vous.

L'accusation n'est pas sans fondement. Poison The Well cède souvent à ce penchant galvaudé pour la survenance de « l'émotion » en alternance avec une agressivité toutes saturations dehors. Ainsi donc, les jolis arpèges succèdent aux méchants riffs dans un effet tout à fait hollywoodien. De même, les cris déchirants viennent bousculer de langoureuses envolées mélodiques.
The Opposite Of December est un cas d'école des clichés du « hardcore émotionnel » tel qu'il pullule aujourd'hui, de MTV à la salle des fêtes du coin, où le groupe du petit cousin imite les glorieuses références américaines en portant mèches et ceintures à clous.

Est-ce à dire que cet album est une sombre merde ? Diantre non ! D'accord, la recette est enfantine. Mais, contrairement à bien des groupes du genre, Poison The Well a un sens certain de ce qui fait une bonne chanson. Prenez Slice Paper Wrist, par exemple : une attaque tout à fait punk, une arrivée parfaitement calculée de la mièvrerie et vous voilà, stylo bic en main, couinant « Aille rimembeur ze dé-héheeeey / Ze seune ouente aouuuut ». On ne peut pas ne pas mentionner aussi Nerdy, cet hymne des amoureux frustrés, qui s'ouvre sur ce cri du coeur plein de bon sens : « Why do your eyes paralyze me ? »
Tout cela serait presque mignon si les rafales de grosse caisse accompagnant les guitares ne signifiaient très clairement que, holàlà-quand-même, c'est la guerre.

The Opposite Of December est de ces disques que j'aimerai toujours entendre à l'occasion. Car si, à son écoute, on finit par trouver les ficelles un peu grosses, c'est toujours après avoir secoué sa tête en rythme.

Introduction

2008-10-03T22:28:00.000+02:00

Bienvenue sur wrong songs / wrong moves !

Je profite, très banalement, de cette première intervention pour expliquer ma démarche. Pendant un peu plus de cinq ans, j'ai participé à un webzine consacré au rock et aux musiques avoisinantes. Ce webzine n'est plus, mais j'ai toujours cette envie d'écrire sur la musique. A défaut de savoir bien la produire, il me faut essayer de "raconter" la musique.

Il est fort probable que ça n'intéressera pas beaucoup de monde. Avec la technologie actuelle, il est plus rapide de découvrir soi-même les artistes que de passer par l'intermédiaire du "critique rock". Mais, avec la technologie actuelle, chaque zozo égocentrique doté d'une Freebox peut à loisir inonder le cyberespace de sa prose inepte. Je ne vais donc pas me priver.

Il est vrai que, pour cette naissance en tout cas, je fais assez peu d'efforts. La sobriété de la mise en page de ce blog le dispute à la banalité du graphisme. Et nous sommes sur blogger, ce qui impose que votre navigateur soit configuré pour bloquer les pop-ups si vous ne voulez pas vous voir invité à profiter d'une incroyable vente privée d'écrans plats.

J'espère, néanmoins, que vous trouverez quelque raisons de revenir en ces lieux. Peut-être pour découvrir des disques, peut-être pour signaler vos trouvailles, sans doute pour me vilipender.

P.S. : le nom de ce blog est tiré du tube New Noise du groupe suédois Refused, qui tirait déjà des conclusions intéressantes il y a onze ans : "We need new noise, new art for the real people".